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Cine: crítica de "La invención de Hugo Cabret" en FM ESPN 107.9

2012-02-12T07:50:00.000-08:00

Comentarios de los estrenos de cine de la semana en Negro Positivo, por FM ESPN 107.9, junto a Alejandro Coccia y Magui Aicega.

Cinco películas mudas que deberías ver

2012-02-08T09:15:00.000-08:00

Los sucesos de Hugo y El Artista, filmes con más candidaturas en la próxima entrega de los premios Oscar, homenajean los inicios de la cinematografía y revalorizan las cintas mudas; acá, algunas obras históricas que no podés dejar de conocer...

The Thief (1952)
¿Pensabas que El Artista era “la” rareza de nuestra época? Ya en plena era del sonido y el color, el director Russell Rouse y el enorme Ray Milland (ver urgente La llamada fatal y El hombre con rayos X en los ojos) cerraron la boca y pusieron el silencio al servicio del género que más lo necesita: el del espionaje. Uno de los films mudos “modernos” más destacados.

Luces de la ciudad (1931)
En la que sería su última película muda, Charles Chaplin encarna a su histórico vagabundo enamorado de una vendedora de flores ciega que cree que él es un millonario. Para mantener las apariencias, hace lo imposible por reunir el dinero para pagarle una operación que le permita recobrar la vista. Como cada obra de “Charlot”, es una maravilla de la comedia física y ofrece el que muchos consideran el final más conmovedor de la historia del cine.

El nacimiento de una nación (1915)
Monumental épica de tres horas de D.W. Griffith sobre la Guerra Civil de Estados Unidos. Fue el film mudo de mayor recaudación en la historia de ese país y muchos la consideran una obra fundacional del cine moderno en términos del empleo de técnicas y recursos narrativos. Pero también estuvo rodeada de controversia al considerarse que tenía un mensaje racista, que estereotipaba a los afroamericanos (en su mayoría, actores blancos maquillados como negros) y mostraba al Ku Klux Klan como una fuerza del orden heroica. Griffith intentó eliminar estas críticas y recomponer su imagen un año más tarde con otra emblemática cinta muda: Intolerance, que une cuatro historias (desde la vida de Cristo a hasta la Revolución Industrial) bajo la temática de la intolerancia.

El acorazado Potemkin (1925)
Podrá tildársela como la propaganda comunista más elaborada de la historia, pero la obra de Sergei Eisenstein es una de las películas más impactantes que se han filmado y, aún hoy, la célebre secuencia de la masacre de civiles en la escalera de Odesa, tan homenajeada en otras películas (Alfred Hitchcock, Woody Allen, Brian De Palma y Terry Gilliam son algunos de los que la han celebrado o parodiado) es una de las secuencias más poderosas que nos ha dado el séptimo arte.
En 2004, Neil Tennant y Chris Lowe, de Pet Shop Boys, compusieron una nueva banda de sonido para el film junto a la Orquesta Sinfónica de Dresde, que fue presentada en una proyección y concierto públicos al aire libre en la Plaza de Trafalgar de Londres.

Metrópolis (1927)
No habría ciencia ficción en la pantalla grande de no ser por esta obra maestra del expresionismo alemán a cargo de Fritz Lang. Esta distopía urbana futurista, cargada de alegorías políticas y religiosas, dejó una huella artística en decenas de cintas, desde Frankenstein (1931) y Tiempos modernos (1936) hasta Dr. Strangelove (1964), La guerra de las galaxias (1977), Blade Runner (1982) y las Batman de Tim Burton.
Metrópolis tuvo varias ediciones, entre ellas la polémica versión de Giorgio Moroder, de 1984, que le añadió una banda de sonido synth-pop en la que participaron Bonnie Tyler, Jon Anderson, Pat Benatar y Freddie Mercury, entre otros. Ese año, Queen incluyó escenas del film en el ya icónico clip de “Radio Ga Ga” y, en 1989, David Fincher se inspiró en su estética para el video de Madonna “Express Yourself” (el tercero más caro de la historia).
En julio de 2008, se descubrió en los archivos del Museo del Cine de Buenos Aires la única copia completa que existe de este verdadero tesoro.

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Cine: críticas de "The Muppets" y "Sherlock Holmes 2" - FM ESPN 107.9

2012-01-12T13:19:00.000-08:00

Comentarios de los estrenos de cine de la semana en ESPN Beach, junto a Bebe Contepomi, Agustín Pichot y Violeta Santamarina.

James Blunt: "Ahora soy un poco más positivo"

2012-01-06T09:50:00.000-08:00

El músico inglés, famoso por hacer de las penas amorosas hits universales, vuelve a Buenos Aires con un disco optimista.

Seamos sinceros: en 2005, muchos pensábamos que James Blunt iba a terminar como en el final del ya icónico clip de su éxito debut, "You're Beatiful": otro artista nuevo que se lanza en bolas al espectáculo y termina sumergido en un mar de one hit wonders. Sin embargo, casi siete años después, este ex capitán del ejército británico no solo supo mantenerse a flote, sino que ya tiene tres discos que lo sostienen en la cresta del music business. En su último trabajo, Some Kind of Trouble (2010), se aleja de las penas y disculpas amorosas en clave folkie que lo caracterizan ("High", "Goodbye My Lover", "Same Mistake") y encuentra un sonido más "poptimista", que presentará en Buenos Aires el próximo 14 de enero en el Luna Park.

Muchos dicen que, después de un debut exitoso, el disco más complicado no es el segundo sino el tercero, porque es el que te consolida como artista. ¿Sentiste eso con Some Kind of Trouble?
Algunos dicen que cada álbum nuevo es el más difícil, y nunca estoy seguro de qué quiere decir eso. Yo estuve en el estudio un montón de veces y me siento confiado. Tengo experiencia como compositor y pude elegir el productor que quería, así que, para mí, no hay ninguna razón para que necesariamente el tercer disco te cause nervios o temor. Estoy en un lugar en el que puedo disfrutar y escribir las canciones que quiero hacer.

Colaboraste con Steve Robson, que está habituado a trabajar con estrellas jóvenes del pop como Carrie Underwood, Take That y Westlife. ¿Buscabas un sonido más fresco, más optimista?
En realidad, fue por accidente. Lo conocí en el estudio. Había escrito una canción que sonaba bárbaro, "Dangerous", y le dije: "¿puedo venir a grabarla con vos?". La hicimos, me encantó, después fuimos por otra y otra y, poco a poco, completamos un disco.

En el álbum se escucha más despreocupación, libertad, y menos penas amorosas. ¿Hubo algo, una situación, un hecho, que hizo que dejaras de sufrir?
Je, je... No, no creo. El sufrimiento todavía está ahí, solo que ahora también soy un poco más positivo, ja, ja.

Con el tiempo, muchos artistas reniegan del hit que los hizo famosos. ¿Cuál es tu relación hoy con "You're Beatiful"?
Me encanta. Sin ella, probablemente no estaríamos hablando ahora. Estoy muy contento con ella. Edité mi tercer disco, encaro mi tercer tour mundial, y ese tema constituye una base sólida de mi carrera.

Hablemos de la gira. ¿Cómo te está yendo y qué espectáculo podemos esperar el 14 de enero?
Quizás muchos esperan ver un tipo parado onda trovador con una guitarra acústica, pero el show tiene seis personas en el escenario, con mucha energía y entusiasmo. Creo que la gente se va a sorprender.

La primera vez que viniste a la Argentina fue en 2009 como show apertura de Elton John. ¿Qué recordás que aquella noche?
Fue maravilloso. Primero, tocar con Elton, que es un músico increíble y me dio un gran apoyo, es algo que te vuela la cabeza. Y el público me trató increíblemente bien, era apasionado y me respetaron. Fue un placer tocar para ellos y por eso me entusiasma mucho volver.

¿Conservás alguna costumbre militar de tus días en el ejército? Dudo que sea la de levantarse bien temprano...
Ja, ja, ja. No, prefiero no hacer eso, si puedo. Mirá: la gira consta de doce hombres en el camino, conviviendo en un bus, con cuatro o cinco camiones, todo un sistema logístico muy importante. En realidad, es como unidad militar, con su misma esencia: confiar en el equipo y uno en el otro.

¿Vas a cantar en la fiesta de inauguración de las Olimpiadas de Londres?
Me lo pidieron, tengo la oferta. Todavía no lo sé. En este momento, me quiero concentrar en la gira.

Se te nota muy jodón en tu cuenta de Twitter. ¿Tuiteás vos o la administra alguien?
Me temo que soy yo, especialmente el que escribe todos los chistes malos, ja, ja. Me gusta usarlo como un medio para comunicarme con la gente, contarles cuándo me voy de gira, cuándo sale un disco o un DVD. Y el resto del tiempo no me lo tomo muy en serio, porque soy simplemente un músico.

¿Seguís viviendo en Ibiza? ¿Cómo te llevás con la vida nocturna y dance que caracteriza el lugar?
Sí, me encanta, tiene un paisaje hermoso, pero paso mucho tiempo trabajando, no tanto saliendo. Creo que la buena música es buena música, no tiene que ser necesariamente de un género. Y yo soy diverso y flexible.

¿Y cómo anda tu español?
¡Hablo español perfecto, ja, ja! Naaah, mentira. "Hola, soy James" es mi límite.

¿Te animás a decirles algo en español a los lectores de Rolling Stone?

Escuchá la respuesta de James Blunt:

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Los 101 discos de 2011

2011-12-26T09:28:00.000-08:00

Tengo la costumbre de ir anotando en un documento de Word los discos lanzados durante el año que me van gustando. En esta oportunidad, en diciembre, el texto quedó en algo más de 120 títulos. Muchos fueron descartados, otros reemplazados por álbumes que se me pasaron en su momento y "descubrí" gracias a las decenas de anuarios y resúmenes que editan los medios especializados por estas fechas. Filtros, nuevas escuchas y antojos de por medio, terminé conformando esta lista de caprichos e injusticias que, en esencia, son todas las selecciones que se proponen como "lo mejor" de un año.

En definitiva, siempre se trata de aquellos discos que mejor acompañaron mis 365 días, que musicalizaron horas de tráfico, fiestas, fines de semanas o esos ratitos antes de dormir en los que me enchufo los auriculares y sueño en sonidos.

Aquí están, en orden alfabético y con link de descarga en aquellos que no fueron editados físicamente en el país, los 101 discos de 2011.

1. Adele – 21
2. Anna Calvi – Anna Calvi
3. Arctic Monkeys - Suck and See It
4. Asa – Beatiful Imperfection
5. Atlas Sound – Parallax
6. Ayo - Billie-Eve
7. Beirut – The Rip Tide
8. Bill Callahan – Apocalypse
9. Bjork - Biophilia
10. Bombay Bicycle Club - A Different Kind Of Fix
11. Bon Iver - Bon Iver
12. Calendar - Golden Bombs
13. Chris Cornell - Songbook
14. Colin Stetson - New History Warfare Vol. 2: Judges
15. Covenant - Modern Ruin
16. Cut Copy - Zonoscope
17. Danger Mouse & Daniele Luppi – Rome
18. Death Cab For Cutie - Codes and Keys
19. Destroyer – Kaputt
20. Dum Dum Girls – Only in Dreams
21. Duran Duran - All You Need Is Now
22. Eddie Vedder - Ukulele Songs
23. Erasure - Tomorrow's World
24. Feist – Metals
25. Fleet Foxes – Helplessness Blues
26. Florence and The Machine - Ceremonials
27. Florian Droids - Florian Droids
28. Foster The People - Torches
29. Friendly Fires – Pala
30. Gang Gang Dance - Eye Contact
31. Girls - Father, Son, Holy Ghost
32. Hugh Laurie – Let Them Talk
33. I'm From Barcelona – Forever Today
34. Imelda May – Mayhem (2010, editado 2011 en Arg.)
35. Incubus - If Not Now When
36. James Blake - James Blake
37. Jeff Bridges – Jeff Bridges
38. Jónsi – We Bought a Zoo (Original Soundtrack)
39. Justice – Audio, Video, Disco
40. Kate Bush - 50 Words of Snow
41. Keren Ann - 101
42. Kurt Vile – Smoke Rings For My Halo
43. Laura Marling – A Creature I Don’t Know
44. Les Mentettes - Songs for an Imaginary Film
45. M83 - Hurry Up, We’ Are Dreaming
46. Madeleine Peyroux - Standing On The Rooftop
47. Marissa Nadler – Marissa Nadler
48. Massacre - Ringo
49. Mastodon - The Hunter
50. Metronomy – The English Riviera
51. Miles Kane – The Colour Of The Trap
52. Mumford & Sons (2010, editado 2011 en Arg.) - Sigh No More
53. Mutemath - Odd Soul
54. My Morning Jacket – Circuital
55. Neon Indian – Era Extraña
56. Nick Lowe - The Old Magic
57. Noel Gallagher's High Flying Birds - Noel Gallagher's High Flying Birds
58. Opeth - Heritage
59. Panda Bear – Tomboy
60. Peter Bjorn and John – Gimme Some
61. Peter Gabriel - New Blood
62. Peter Murphy – Ninth
63. PJ Harvey - Let England Shake
64. Poseidótica – Crónicas del futuro
65. R.E.M. – Collapse Into Now
66. Radiohead - The King Of Limbs
67. Real Estate – Days
68. Richard Coleman – Siberia Country Club
69. Russian Red – Fuerteventura
70. She & Him – A Very She & Him Christmas
71. She Wants Revenge - Valleyheart
72. Snow Patrol - Fallen Empires
73. Sondre Lerche - Sondre Lerche
74. St. Vincent – Strange Mercy
75. Stephin Merritt – Obscurities
76. Steve Wilson – Grace for Drowning
77. The Black Key - El Camino
78. The Decemberists – The King Is Dead
79. The Drums – Portamento
80. The Horrors – Skying
81. The Kills - Blood Pressures
82. The Kooks – Junk Of the Heart
83. The Pains of Being Pure at Heart – Belong
84. The Raveonettes - Raven in the Grave
85. The Sounds – Something to Die For
86. The Strokes - Angles
87. The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines?
88. Thurston More – Demolished Thoughs
89. Tori Amos - The Night of the Hunter
90. Toro y Moi - Underneath The Pine
91. TV On The Radio – Nine Types Of Light
92. Unknown Mortal Orchestra – Unknown Mortal Orchestra
93. Various Artist - Drive (music from the motion picture)
94. Various Artists - Rave On Buddy Holly
95. Washed Out - Within and Without
96. White Lies – Ritual
97. Wild Beasts – Smother
98. Ximena Sariñana - Ximena Sariñana
99. Youth Lagoon - The Year of Hibernation
100. Zoe – MTV Unplugged: Música de fondo
101. Zola Jesús – Conatus

Cine: Las 10 películas más taquilleras de 2011 - FM ESPN 107.9

2011-12-23T11:24:00.001-08:00

En "Negro Positivo", por FM ESPN 107.9, con Alejandro Coccia, Magui Aicega y Martín Altberg, revelamos las películas que más recaudaron este año en el mundo.

Cine: Los 10 mejores estrenos de 2011 en la Argentina - FM ESPN 107.9

2011-12-23T07:04:00.000-08:00

En "Dando la vuelta", por FM ESPN 107.9, con Germán Paoloski y Mechi Margalot, repasamos los diez estrenos más destacados de 2011.

Las diez mejores películas de 2011 en la Argentina

2011-12-23T06:42:00.000-08:00

Elegimos los estrenos más destacados que pasaron por las pantallas locales este año. ¿A vos cuál te gustó más?

10. Cerro Bayo
El intento de suicidio de una abuela despierta emociones, intereses y egoísmos en cada integrante de una familia del sur argentino. Entre el tono indie y los códigos populares, Victoria Galardi dirige una ¿tragicomedia? que observa la hipocresía y las miserias familiares y revela el costado gris del costumbrismo argentino (tan acostumbrado al exagerado colorido).

9. Incendies
Tras la muerte de su madre, dos gemelos reciben, como legado, dos sobres: uno para ser entregado su padre, al que creían muerto, y el otro a un hermano cuya existencia desconocían. Para cumplir con este deseo, uno de ellos emprenderá un viaje hacia Medio Oriente, la tierra natal de su madre, donde descubrirá el terrible pasado que explica el presente.
Una obra canadiense (quizás merecedora del Oscar a mejor film extranjero que se terminó llevando En un mundo mejor) en la que la tragedia griega se duplica por la tragedia bélica. Describirla como “drama visceral” es poco. Pensá en la película más jodida que viste. Ahora, multiplicala por dos.

8. 8 minutos antes de morir
Jake Gyllenhaal (Secreto en la montaña, Zodiac) encarna a un soldado partícipe de un experimento militar que le permite viajar mentalmente al pasado y revivir los minutos anteriores al atentado contra un tren, con el objetivo de encontrar al culpable y evitar otro ataque terrorista en el futuro.
Explosiones en repeat, paradojas espacio-temporales y paranoias políticas: en su primer film mainstream, tras la celebrada ópera prima En la luna (2008), Duncan Jones arma un vertiginoso thriller sci-fi que hacer rendir los mismos 480 segundos en una hora y media de astuta diversión.

7. Las acacias
Un huraño transportista de troncos debe trasladar a una madre y su beba desde Paraguay hasta Buenos Aires. Entre miradas, gestos y silencios, el viaje fundará una relación que va más allá de las palabras. Humilde, tierna, detallista y compleja en su aparente sencillez (apenas tres protagonistas y la cabina de un camión como único escenario). El debutante director Pablo Giorgelli despoja al género road movie de sus usuales ropas (las peripecias del camino, los excesos, la música aventurera, incluso hasta los diálogos) y desnuda lo esencial: la travesía de autodescubrimiento y transformación, y la necesidad humana de vincularse.

6. Lazos de sangre
En busca de su padre ex convicto y desaparecido tras otorgar su casa como parte de la fianza para su libertad, una joven enfrentará los peligros de una familia de granjeros que esconde, tras un pacto de silencio, un sórdido secreto.
Lejos de cualquier espectacularidad o golpes bajos, y sobre una gran actuación de Jennifer Lawrence (a quien este año también vimos como una joven Raven en la excelente X-Men: Primera generación), la obra de Debra Granik se destaca por su aspereza y corte documentalista en el retrato de personajes y su temática: la marginalidad y la miseria en las zonas rurales de Estados Unidos, donde escasea el trabajo, apremia el hambre y el narcotráfico y la drogadicción son más vías de supervivencia que de escape. Las venas abiertas de Norteamérica.

5. El estudiante
Luego de codirigir El Amor (primera parte), en 2004, Santiago Mitre se lanza a su primera experiencia en solitario detrás de las cámaras y construye un contundente y verosímil retrato de la actividad política universitaria. Desde la ultraindependencia, con una producción a pulmón, sin apoyo económico del INCAA y limitadísima exhibición (comenzó proyectándose en apenas dos salas en el país), El Estudiante gestó un pequeño gran fenómeno artístico que cosechó elogios de crítica y público, motivó debates sobres las estructuras de financiamiento y distribución de la industria local, y puede llegar transformarse en un film “bisagra” del cine nacional.

4. Copia certificada
El diálogo amoroso de un hombre y una mujer de viaje por los paisajes de la Toscana puede derivar en terribles accidentes como Cartas a Julieta (2010). Pero si estamos conducidos por Abbas Kiarostami (El sabor de las cerezas) y acompañados por Juliette Binoche (El paciente inglés, Chocolate), lo más probable es que terminemos no solo enamorados de los paisajes, sino que tengamos un paseo por lo más profundo de los sentimientos humanos. La versión “plus 45” de Antes del amanecer (1995).

3. Super 8
Verano del 79, un grupo de pibes está filmando una película casera de zombis en su pueblito natal y terminan involucrados en un accidente de proporciones extraterrestres.
J.J. Abrams (Lost, Star Trek - El futuro comienza) homenajea las películas que marcaron su infancia y recupera un cine que creíamos olvidado: el de las cintas de fantasías y aventuras juveniles de corte “spielbergiano”, como Encuentros cercanos de tercer tipo, El secreto de la pirámide y Cuenta conmigo. Super 8 es, para los pre-teens de hoy, lo que Los goonies (1985) fue para los que ya contamos más de 35.

2. Rango
En un cine de animación adoctrinado por la escuela Pixar, Gore Verbinsky (director de las primeras tres Piratas del Caribe) entregó una obra que escapa a los moldes estéticos y argumentales del rubro. La historia de este camaleón con crisis de identidad que termina siendo héroe del salvaje oeste tiene una artística bizarra, de caricaturización hiperrealista y grotesca a la vez, con personajes tan encantadores como repulsivos. Un imaginario más usual en cortometrajes experimentales que en productos masivos. Y se anima a incursionar en un género tan olvidado como poco atractivo para el público joven (en especial para el infantil), el western, en una obra que cumple con todos los mandamientos del género. Divertida, un poquito cruel y, sobre todo, audaz.

1. Medianoche en París
Sí, es “el regreso” del más clásico Woody Allen: romántico, mordaz, “intelectual” y autorreferencial. Sí, es su obra más sólida en muchos, muchos años. Sí, es el film comercialmente más exitoso de su carrera. Sí, Owen Wilson es el mejor alter ego que vimos hasta hoy del director de Manhattan (1979). Pero no; estos no son los motivos por los cuales Medianoche en París es la cinta del año. La razón la vas a encontrar cuando la veas y, al terminar, recuerdes hace cuánto que una película no te deja en la butaca entre suspiros y sonrisas, feliz.

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Los 10 acontecimientos tecnológicos de 2011 - No Somos Nadie (FM Rock & Pop 95.9)

2011-12-21T10:18:00.000-08:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9). En esta oportunidad, comento junto a Juan Pablo Varsky, Santiago Calori, José Del Río, Lucía Rodríguez Bosch y Ana Gerschenson cuáles fueron las diez noticias más importantes del año en el rubro de la tecnología.

Cine: crítica de "El juego de la fortuna" y "Cuatro muertos y ningún entierro" en FM ESPN

2011-12-16T07:27:00.000-08:00

Comentario de los estrenos cinematográficos de la semana en "Negro Positivo", por FM ESPN 107.9, con Alejandro Coccia, Magui Aicega y Martín Altberg

Columna tech en "No Somos Nadie" (Rock & Pop) - iTunes Store en Argentina

2011-12-14T15:49:00.000-08:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9). En esta oportunidad, comento junto a Juan Pablo Varsky, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson la llegada del servicio iTunes Store a la Argentina.

Entrevista con Fito Páez para revista BOCAS - Encuentros cercanos del tercer Fito

2011-12-13T13:36:00.000-08:00

Tuve el enorme placer de tener una larga y linda charla con Fito Páez para BOCAS, la revista de entrevistas que circula el segundo domingo de cada mes con el periódico El Tiempo de Colombia.
Además de su nuevo disco, Canciones para aliens, Páez habla de todo, tal como digo en el copete del artículo: Su juventud, El amor después del amor, los hijos, Buenos Aires, el asco, el kirchnerismo, Colombia y Latinoamérica. De Rosario al universo, este es el viaje de un hombre en busca de hacer contacto.
Aprovechen a leerla acá, que en Argentina no se consigue :-)

Cine: críticas de El precio del mañana, Operación regalo y ¿Cómo lo hace? - ESPN 107.9

2011-12-02T06:15:00.000-08:00

Comentario de los estrenos cinematográficos de la semana en "Dando la vuelta", por FM ESPN 107.9, con Germán Paoloski, Mechi Margalot y Mariano Zabaleta.

Gillian Gilbert, de New Order: "No extraño a Peter Hook"

2011-11-30T12:27:00.000-08:00

La banda de Manchester vuelve a los escenarios y a nuestro país con la tecladista original tras diez años de ausencia, pero sin su emblemático bajista, con quien mantienen una dura pelea mediática. "No hay posibilidad de reconciliación, pero nunca se sabe", dice.

Cuando Gillian Gilbert tomó la decisión de abandonar New Order en 2001, tras la grabación del álbum Get Ready, para dedicarse al cuidado de la hija que comparte con el baterista Stephen Morris (afectada por mielitis transversa), la banda lucía rejuvenecida musicalmente. "Estamos preparándonos para la nueva fase en nuestra vida musical, física y mentalmente", decía, por entonces, el bajista Peter Hook, luego de que los íconos de Manchester volvieran al ruedo tras ocho años de silencio.

Hoy, una década después, la tecladista volvió a un grupo divorciado que, desde hace tiempo, alimenta las páginas más amarillas de los medios de rock con una disputa pública por sus bienes históricos. ¿Cómo se llegó a esto?

En noviembre de 2006, luego de que el cuarteto (sin Gilbert y con el guitarrista Phill Cunningham como reemplazo) tocara por primera en Argentina presentando su álbum Waiting For The Sirens' Call, Hook deslizó a la prensa la posibilidad de que ese había sido el último show de la banda, algo que dio por hecho de manera unilateral meses más tarde. Desde entonces, tomó otras decisiones vinculadas al pasado sensible (y el futuro comercial) de sus ex compañeros, aparentemente, sin consultarlos. Adquirió los derechos de la marca The Haçienda (el emblemático club de Manchester, cuna de toda una escena musical, y salvado varias veces de la quiebra por el bolsillo de New Order); compró las oficinas de Factory Records (el ex sello del grupo) y las transformó en un boliche y, más recientemente, formó The Light, con los que anda reversionando canciones de Joy Division, incluso "apropiándose" de un tema inédito y sin terminar de Ian Curtis, "Pictures in My Mind".

Los otros miembros no confirmaron ni negaron la disolución, siempre se mostraron críticos hacia el comportamiento de "Hooky", y cuando el vocalista Bernard Sumner, Morris y Cunningham continuaron haciendo música bajo el nombre de Bad Lieutenant, pocos tuvieron verdadera fe de volver a ver a los creadores de "Blue Monday" juntos.

Sin embargo, en septiembre de este año, el "resto" de New Order anunció su regreso, sin Hook y con la vuelta de Gilbert, para dar una gira en la que recorren gran parte de su discografía y la de Joy Division, y que los traerá al Estadio Obras el 1 de diciembre. La decisión despertó la lengua sin filtro del bajista, quien dijo estar determinado a "cagar a New Order de toda forma posible", acusó a Sumner de ser "un idiota" y trató a sus ex compañeros de "pelotudos". "Todos saben que New Order sin Peter Hook es como Queen sin Freddie Mercury o U2 sin The Edge", disparó.

Sumner, por su parte, señaló: "Se dijeron y se hicieron demasiadas cosas. Vivimos toda nuestra vida como un grupo con principios e ideales y lo que Peter hace va en contra de todo lo que defendimos".

Entre todo este conventillo, Gilbert suena alegre e inocente del otro lado del teléfono. Desde la felicidad de abandonar su forzado retiro de las tablas, sus risueñas respuestas quitan dramatismo a todo conflicto con su ex amigo. Y sus diez años de ausencia son la excusa perfecta para contestar cualquier interrogante sobre las peleas entre sus colegas con un diplomático y conveniente "no sé".

¿Fue duro estar afuera, ver que tu marido se iba de gira y tus compañeros de tanto tiempo hacían un disco sin vos?
Sí, fue desgarrador, realmente. Me sentí muy triste. Pero fue una decisión que tuve que tomar y fue la correcta. Es algo que cualquier madre o padre haría.

Considerando que es el único disco de New Order en el que no participas, me gustaría saber tu opinión sobre Waiting for the sirens' call. En realidad nunca escuché todo el disco. ¡Pero creo que el público dijo que es muy bueno, ja, ja, ja! En algún momento intenté volver a escuchar todos nuestros álbumes, pero una vez que los grabás, listo: te los olvidás y dejás todo el trauma que implica su realización.

¿Cómo fue volver al escenario y no ver a Peter Hook entre ustedes por primera vez en 30 años?
Hace mucho que no estaba con él, porque no estuve en la banda. Pero fue muy raro al principio, cuando ensayábamos las canciones. Odiaría pensar que él no está feliz.

¿Lo extrañás?
No, la verdad que no, ja, ja, ja. Igual, estoy segura de que él tampoco me extraña a mí, ja, ja, ja.

¿Qué fue lo que produjo la separación?

¡Es que no podían estar juntos sin mí, ja, ja, ja! Como yo no estaba, de verdad no sé qué pasó. Pero debe haber sido bastante triste. Empezaron a ver problemas durante las sesiones de Sirens. Después, decidieron separarse y nunca dijeron ni una palabra. Ellos mencionan el quiebre como un hecho sin decir nada más, así que no sé.

¿Cómo tomaron la decisión de Hook de montar un club en las oficinas de Factory?
Es un poco raro, sí. Hacer eso, después de tantos años juntos. No sé qué pensar.

¿Leíste su libro sobre The Haçienda?
No, no lo leí.

Se ha escrito y dicho mucho sobre ese lugar. ¿Qué es lo más loco que recordás de allí? Uy. muchas cosas. Lo más raro fueron las discusiones sobre si tenía que haber pastel de pollo o churrasco en el menú. Era muy raro estar en un lugar así hablando sobre la comida.

Hook tuvo palabras muy duras hacia ustedes, pero en una reciente entrevista dijo no sentirse orgulloso con la forma en que se separó y que deseaba hacer las paces. ¿Hay posibilidad de una reconciliación?

En mi opinión, no. Pero nunca se sabe. No sabés qué te espera a la vuelta de la esquina. Los años pasan y te olvidás de las cosas que dijiste. Pero no veo que eso vaya a pasar pronto. Nada de esto fue planeado: él simplemente se fue a hacer lo que quería sin preguntarle a nadie.

¿Hay chance de un nuevo disco de estudio de New Order? No lo sé. No hay nada planeado hasta el momento y, realmente, no podemos hablar del futuro porque no sabemos qué va a pasar. Solo queremos ver cómo se dan las cosas hasta Navidad. No me quiero comprometer a hacer un álbum o un montón de shows porque mi familia está primero y lo único que deseo es que estemos felices y sanos.

¿Y de que ese disco sea con Hook?
Mmmm. No podría decirlo, la verdad, ja, ja. Puede pasar cualquier cosa, aunque no en el futuro cercano.

Pero si dependiera de vos, ¿volverías a trabajar con él?

No lo sé. A decir verdad, no en este momento. Pero, ¿quién sabe? El tiempo dirá.

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Cine: Críticas de Happy Feet 2, Las Acacias y el reestreno de El Padrino

2011-11-24T14:54:00.000-08:00

Comentario de los estrenos cinematográficos de la semana en "Dando la vuelta", por FM ESPN 107.9, con Germán Paoloski, Mechi Margalot y Mariano Zabaleta.

El debate sobre Cuevana en "No somos nadie", por FM Rock & Pop

2011-11-23T09:48:00.000-08:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9). En esta oportunidad, debato junto a Juan Pablo Varsky, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson sobre el servicio de películas online Cuevana.

Groove Armada: Back to basics

2011-11-12T10:36:00.000-08:00

Después de la exitosa incursión en el formato "banda" con el disco Black Light y su nominación al Grammy, Andy Cato y Tom Findlay se presentarán en Creamfields con un regreso al sonido warehouse; aunque el dúo ya planea, en secreto, su versión acústica para 2012.

Difícil jugar a las escondidas con Groove Armada. Con sus casi 2,05 metros y pelo rubio, para Andy Cato siempre es complicado ocultarse en las alturas del dance. Y si anda acompañado de su petacón cómplice Tim Findlay, chau: juntos saltan a la vista como la versión tecno de Penn and Teller. Así todo, se las ingeniaron para escabullirse entre el público del Planeta Terra, en San Pablo, Brasil, y distenderse mirando otras bandas antes de encargarse de cerrar el festival con un notable espectáculo multimedia. Groove Armada representa uno de los referentes de la electrónica bailable que, a 15 años de su formación, parece estar en su mejor momento. ¿Cuántos artistas de una escena tan volátil pueden decir lo mismo? Luego de esa sofisticada y canchera mezcla de house, big beat, rock y trip hop que los puso a sonar en películas (Tomb Rider, Collateral), videojuegos (Rayman 3, FIFA 11) y variedad de publicidades (Mercedes Benz, Renault, Bacardi, Lipton Tea), el dúo de Cambridge editó Black Light (2010), un gran álbum en formato banda y con mucho de synthpop ochentoso que les valió su tercera nominación al premio Grammy en la categoría "Dance".

Para que no hubiera mucha nostalgia pistera, a los pocos meses lanzaron White Light, disco con reversiones de temas del anterior, y ahora Red Light, una serie de EPs que los reencuentra con el sonido warehouse y que mañana presentarán en la edición local de Creamfields. Pero antes de eso, relajados y de buen humor, se prestan a una charla en la que revelan todo (inclusive, un secreto).

Black Light sale del Groove Armada más clásico y parece el disco de una banda oscura y new wave de los 80. ¿Cuál fue la inspiración?
Cato: Surgió a partir del tipo de presentaciones que veníamos haciendo en ese momento. Esa combinación de electrónica y músicos en vivo era única, y le estaba yendo muy bien en todos los festivales alrededor del mundo. Lo que hicimos fue llevar esa banda al estudio y grabar ese sonido. Creo que es nuestro mejor álbum y dio nuestra mejor gira, que terminamos en Brixton, Londres, en un show maravilloso. Ahora estamos haciendo Red Light, que es un regreso al estilo DJ y al sonido warehouse que hace Groove Armada.

Cómo consiguieron la participación de Bryan Ferry?
Cato: Lo conocimos a través de un fotógrafo amigo en una cena. Creo que nunca había hecho una colaboración antes de la que hizo con nosotros, así que hubo que persuadirlo y tuvimos un largo "cortejo", ja, ja. Es una leyenda, fue bárbaro haber trabajado con alguien a quien admiramos. Seguimos siendo amigos y nos mantenemos en contacto.

¿Es tan dandy como parece?
Findlay: ¡Sí! Pero también es muy profesional, casi obsesivo. Nos costó mucho convencerlo de que la letra que había hecho estaba bárbara. Y se rodea de gente que sabe hacer las cosas. Cuando está en el estudio, trabaja con el mejor guitarrista, el mejor pianista. Es una leyenda.

¿Qué me cuentan sobre la nueva nominación al Grammy?
Findlay: Ya es la tercera que tenemos. Fuimos a la entrega, pero no es nuestro ambiente. Eso de tomar café con Lady Gaga... no sé. Es lindo, pero la idea misma de un premio a la música es una boludez, porque lo que a uno le resulta genial a otro le puede parecer una porquería.

¿Haber dejado Sony Music y firmado con un sello independiente tuvo algo que ver con el sonido del disco?
Findlay: A un sello grande lo único que le interesa son las canciones que llegan a la radio. Pero nunca te estimulan a escribir nada nuevo, a que explores distintas partes de vos mismo. Lo único que quieren saber es cuándo pueden poner un tema en el aire de Radio 1. Eso no es necesariamente malo, nos llevó a cosas como "I See You Baby", pero la onda que tiene Black Light, que, concuerdo con Andy, es lo mejor que hicimos, la logramos gracias a tener más libertad.

¿Qué piensan cuándo escuchan "I See You Baby" y lo comparan con el sonido actual?
Cato: Hoy estuvimos escuchando algunas cancimáquinones viejas, que ya no nos acordamos cómo hicimos, para un nuevo proyecto que vamos a hacer el año que viene, en paralelo aRed Light. Es medio top secret lo que te voy a contar, je, pero bueno, acá va: hay una parte del catálogo de Groove Armada, canciones como "Paris", "Remember", "Think Twice", que es muy linda pero que no podíamos hacer en vivo porque no son temas adecuados para un escenario dance. Así que el año que viene vamos a realizar una serie exclusiva de conciertos, por ahora solo en Inglaterra, con una pequeña banda, tocando sin as, tecnología o computadoras: todo acústico.

¿Creen que la música dance está en un buen momento?
Findlay: Sí, pero algunas escenas se pusieron muy pop, se están quedando sin imaginación. Ya vimos este ciclo: todo se hizo cada vez más grande, gente como Sasha y Paul Oakenfold tocaban para más de 15.000 personas y nadie realmente veía al DJ. Una mierda. Pero ahora, en Londres, hay un regreso a los sótanos: ahí está empezando un nuevo ciclo.

¿Y eso está trayendo nuevas cosas?
Findlay: Sí, mucha música. En general, el dance está en una muy buena situación. Es gracioso porque cuando nosotros empezamos, hace diez o quince años, hicimos uno de los primeros discos de dance y ahora hay un montón de malditos talentosos dando vueltas, ja, ja, ja.

¿Les gusta tocar en escenarios como Creamfields?
Findlay: La "Cream" creció en un gran momento del clubbing en el Reino Unido. Conocemos a la gente que maneja el boliche original de Liverpool donde se gestó todo esto. Es lógico que, cuando armás una franquicia, tenés que hacer algo distinto, pero todavía refleja mucho la música dance. Creamfields es un escenario decente que respeto mucho.

¿Qué podemos esperar para el show del sábado en Buenos Aires?
Findlay: Hoy no hay música house en los escenarios principales de los festivales, y la idea central de Red Light es volver al sonido warehouse. Armamos una cabina de DJ que nos permite controlar todas las luces y los efectos visuales, que se hacen en tiempo real.

Cato: Buenos Aires tiene una de nuestras escenas favoritas en el mundo. Vamos a estar parando cuatro días allá en una casa que tiene adentro una disco. ¿Hay algo mejor que eso?

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Daniel Kessler de Interpol: "Buenos Aires es el mejor lugar para cerrar la gira"

2011-11-11T06:58:00.000-08:00

Antes del show en el Movistar Free Music, el guitarrista de la banda de Nueva York habla de separaciones, giras que hacen mella y, por supuesto, buenas pilchas.

Luego de mucho tiempo dulce, en el que vistieron a Nueva York de etiqueta negra post punk y se consolidaron como uno de los principales referentes del rock de esa ciudad, llegaron años complejos para Interpol. En 2010, el ahora trío sufrió la partida del bajista (y pieza clave en la composición) Carlos Dengler, justo al finalizar la grabación de su autotitulado cuarto (y más intricado) disco. Y cuando pensaban que habían encontrado un reemplazo en David Pajo, el ex Tortoise y Zwan tiró la toalla en febrero de 2011, cansado de los hoteles y con nostalgia por su familia, dejando su lugar en plena gira a Brad Truax. No es para menos: "Hace dos años que estamos en tour, con más de 200 conciertos", aclara el guitarrista Daniel Kessler desde una habitación en Santiago de Chile, la última escala antes de tocar mañana en Buenos Aires, como parte del Movistar Free Music, en el que será el último show de los 730 días más largos del grupo.

Titular un álbum como la banda a veces resulta una declaración, como decir que esa obra es la que mejor describe su sonido. ¿Creen que Interpol es su disco definitivo?
En realidad, no nos pusimos a buscar un nombre para el disco. Pensamos que estaba bueno dejar que la música hablara por sí misma. Pero, en cierto sentido, creo que es un álbum muy pleno, con una esencia que representaba muy bien al grupo en ese momento.

Leí que la partida de Dengler no les resultó sorpresiva, como que fue algo que venían hablando. ¿Cómo quedó la relación?
No es que no nos sorprendiera su ida, sino que sabíamos que él quería hacer otras cosas, no solo salir de gira y estar en una banda. Hace dos años que estamos de tour y hay cuestiones que no podés vivir si te la pasás viajando de esta manera. Para mí, fue una decisión de vida. Lo quiero mucho a Carlos y le deseo lo mejor en todo lo que decida emprender.

¿Están escribiendo nuevas canciones?
No solemos componer durante los tours. Siempre esperamos a volver al estudio. Hoy sentimos que tenemos química, nos divertimos y hacemos buenos shows: así es nuestro momento actual.

Acaban de compartir escenario en Brasil con The Strokes. ¿Tienen relación ellos, considerando que emergieron juntos desde la misma ciudad?
¿Me creés si te digo que ese fue el primer concierto en el cual tocamos juntos? ¡A algunos de ellos los conocí ese mismo día! Fue muy loco, después de todos estos años y con el hecho de que ambos salimos de Nueva York. Es una gran banda, somos sus admiradores. Dieron un recital magnífico y el público estuvo fantástico. Definitivamente, fue un placer.

Ya pasó una década de aquella explosión de bandas de Nueva York. ¿Cómo es la escena de la ciudad hoy?
Siempre hubo un gran sonido en Nueva York, es la esencia de la ciudad. Lo que pasó hace diez años es que la gente empezó a prestar más atención, porque en los 90 estaban mirando hacia otro lado. Siento que hay muy buenas cosas, pero en este momento no soy una palabra experta porque casi nunca estoy allá y no puedo decir "mirá esta banda o esta otra". Sí puedo recomendar School of Seven Bells, con quienes estuvimos de gira y son geniales.

En Brasil fueron parte de un festival, pero en la Argentina harán su propio show. ¿Qué tipo de recitales prefieren?
Me gustan ambos tipos. En los festivales no tenés prueba de sonido, no sabés cómo va a ser el clima, no todo el mundo viene a verte a vos, algunos te conocen, otros no, y a mí me gusta eso de subirme al escenario y no tener idea de con qué me voy a encontrar. Es algo impredecible, divertido y lo disfruto porque sale de la repetición de hacer tus propios shows todo el tiempo. Por otra parte, en tus presentaciones sabés que la gente está ahí para verte a vos y los fans son increíbles, especialmente cuando llegás a Sudamérica. Es algo muy especial que esperás con ansias.

Interpol se caracteriza por su elegante imagen. ¿Se visten bien para las cámaras o en la vida cotidiana también andan empilchados?
En este momento estoy en mi habitación y tengo puesto un traje, je. Igual, es algo muy de cada uno: yo ando de traje todos los días, porque me siento cómodo así. Pero Paul [Banks] y Sam [Fogarino] se ponen uno cuando quieren.

Miren que en Buenos Aires hay muy buenas tiendas de ropa masculina, por si quieren salir de shopping...
Ja. Es bueno saberlo, pero ¡ya tengo un stock completo de trajes! La última vez que estuvimos en Buenos Aires estuvo increíble y ahora va a ser mejor. Creo que no hay mejor lugar para cerrar la gira.

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Planeta Terra: Jogos bonitos

2011-11-08T15:46:00.000-08:00

The Strokes, Beady Eye, Interpol, Goldfrapp y Groove Armada, entre otras bandas, tocaron en San Pablo, Brasil, en un festival que el año que viene podría llegar a la Argentina y otras ciudades de Latinoamérica.

Foto de Marcos Issa - Argosfoto

Un día después de sus presentaciones en Buenos Aires, The Strokes, Beady Eye, Goldfrapp, Broken Social Scene, Toro y Moi y White Lies viajaron a San Pablo para sumarse a Interpol, Groove Armada, Bombay Bicycle Club, Gang Gang Dance y un puñado de bandas locales en el Planeta Terra, festival que desde hace cinco años viene posicionándose como una de las principales atracciones musicales de la capital económica de Brasil. En total, fueron 15 shows repartidos en dos escenarios, unas 12 horas de espectáculos en un predio de 82.000 m2, a 700.000 watts de luz y 600.000 de potencia de sonido. Un evento tamaño brasilero, y duplicado por la escala paulista.

La principal característica del Planeta Terra es que se desarrolla en un parque de diversiones que incluye desde una tradicional calesita hasta la montaña rusa Boomerang, que te pone cabeza abajo a 90 Km por hora, o el Skycoaster, un arnés que te hace volar en círculos a 60 metros de altura simulando una caída en parapente. Así, la oferta lúdica que, de por sí, la música propone para los oídos se extiende a todo el cuerpo: desafiar vértigo, gravedad y ritmo cardíaco a bordo del Turbo Drop, un ascensor que se desploma desde más de 50 metros, o que un pulpo mecánico te centrifugue el miedo, mientras Liam Gallagher te anima con un "come on" puede resultar una experiencia sensorial doblemente entretenida.

Campo y VIP para todos
La política brasilera es conciliadora, por eso en Planeta Terra no hay división del campo en sectores VIP y populares. Los invitados y celebrities hicieron su acto de presencia en un espacio que ya es very important en dimensiones: una construcción desmontable de dos pisos y más de 50 metros de largo superior a cualquier palco de estadio de fútbol argentino, con comida, bebida y varios lujos internos (entre ellos, la exposición de un auto en la segunda planta).

Al frente del escenario, como corresponde, los fans, la gente que le pone el pecho a la vallas y hace que actos "pequeños", como White Lies y Broken Social Scene se hagan gigantes y compren a todo el público (incluido el del VIP).

La organización fue correcta también en esos detalles importantes: buenos accesos, clara señalización, baños químicos en cantidad, seguridad presente (pero invisible) y una distribución de escenarios lo necesariamente cercanos para trasladarse entre ellos de forma rápida y lo suficientemente separados para que no haya superposición acústica (con un sonido parejo para todas las bandas). Los que no pudieron pagar las entradas (que llegaban hasta los 300 reales, unos 730 pesos), podían seguir el evento en directo y en HD desde www.planetaterra.com.br.

Las revelaciones
Fueron los últimos en sumarse al line up y resultaron ser una de las sorpresas: el quinteto neoyorkino Gang Gang Dance tiñó el indie stage con su avant-garde mezcla de electrónica, bases tribales y sampleos de world music, aunados por la exótica cantante y percusionista Lizzi Bougatsos, artista que parece devanearse en un conflicto étnico entre Yoko Ono y Kate Bush.

Otro "descubrimiento" fue Bombay Bicycle Club. La NME puede haber exagerado (cuándo no) al calificarlos como "la banda más caliente en surgir del norte de Londres en el último tiempo", pero sin dudas hay que seguir a este cuarteto y su energético mix de new wave, revires shoegaze y ternura folk.

Interpol y The Strokes: frío y calor
Los dos climas de Nueva York es un solo escenario. Para quienes no conocen la parquedad "etiqueta negra" de los liderados por Paul Banks, su show pudo haber resultado monótono y duro como un bloque de hielo (intensificado por un juego de luces donde predominó un gélido azul), pero la mayoría del ardiente público paulista lo recibió como un refrescante zambullón a la parte más oscura de la gran manzana y celebró, en especial, canciones de sus primeros discos, como "Obstacle 1", "Slow Hand", "C'Mere" y "Hands Away".

El calor y el sudor lo puso The Strokes que demostró por qué sigue siendo el caldo donde hierve lo mejor de la música norteamericana. La banda pidió apagar el gigantesco frente de LED del main stage para que la atención de la audiencia se concentrara solo en lo que sucedía sobre el escenario. Y desde allí, los encabezados por un Julian Casablancas de gorrita renovaron su romance con Brasil, un vínculo que nace desde las raíces del baterista Fabrizio Moretti, oriundo de Río de Janeiro. Cualquier rivalidad citadina que haya pasado por la cabeza de alguno quedó de lado desde el primer acorde de "New York City Cops" y murió en el demoledor final con "Take It Or Leave It". El mejor resumen de la presentación la dijo el mismo Casablancas en un portugués de comprensión universal: "Fantástico".

Lo que vendrá
Según directivos de Terra, 2012 sería el año en que su evento se extendería hacia otras ciudades de Latinoamérica, entre ellas Buenos Aires. En el caso de nuestro país, el cómo, dónde y cuándo cobran especial relevancia. Con su perfil orientado al target de clase media y alta "indie-mainstream", la posible edición local de Planeta Terra tendrá como desafío diferenciarse y saber hacerse de un lugar que el Personal Fest, para bien o mal, parece tener consolidado en público y concentrado en agenda de artistas.

Por otra parte, la Capital no ofrece un parque de diversiones habilitado o acorde a los estándares del festival original, si es que quiere mantener su espíritu. Veremos qué depara el futuro y, ojalá, tengamos una versión nacional pero fiel a la tradición brasilera: orden, progreso y jogo(s) bonito(s).

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Ciaran Gribbin, el nuevo cantante de INXS: "Estamos volviendo a empezar"

2011-10-31T16:24:00.000-07:00

El músico irlandés, que trabajó para Snow Patrol y Madonna, es el flamante vocalista de los australianos que regresan al país para presentarse en el Personal Fest 2011.

A esta altura, INXS debe haber tenido tantos cantantes como bateristas pasaron por Spinal Tap (y con resultados no tan graciosos como los del célebre mockumental). Bromas maliciosas aparte, lo cierto es que la muerte de Michael Hutchence en 1997 dejó un enorme vacío que la banda intenta llenar y dejar atrás. Ya pasaron por el micrófono Jimmy Barnes, Terence Trent D'Arby y Jon Stevens (que giró como miembro oficial durante tres años, llegando incluso a nuestro país en 2002). Luego, el grupo tuvo la polémica idea de buscar un vocalista definitivo mediante un concurso televisivo estilo reality llamado Rock Star: INXS, del cual surgió ganador el canadiense J.D. Fortune, con quien grabaron el álbum Switch (2005) y visitaron Buenos Aires en febrero de este año.

El último experimento vocal fue Original Sin, disco donde reversionan muchos de sus clásicos con cantantes invitados, entre ellos Rob Thomas, Ben Harper, Tricky y nuestra compatriota Deborah de Corral. Justo cuando el futuro musical de la banda parecía más afónico que nunca, Andrew Farris, tecladista y principal compositor, conoció por accidente a un "irlandés con acento cómico con el que nos sentamos a tocar con guitarras acústicas", y luego de unos días de cantar juntos, "la magia estaba de vuelta", según comentó.

El irlandés en cuestión resultó ser Ciaran Gribbin, que tiene en su currículum colaboraciones con Snow Patrol, Groove Armada, Paul McCartney, Madonna y Paul Oakenfold, y que ahora es la nueva voz de INXS, la que ya se puede escuchar en el flamante demo "Tiny Summer". Antes de embarcarse en una gira que traerá a los australianos a nuestro país por segunda vez en 2011, para presentarse el sábado 5 en el Personal Fest, Gribbin habló de sus expectativas como frontman de INXS y la necesidad de que el grupo inicie una nueva etapa.

Tenés mucha experiencia en la música y trabajaste para varias estrellas pero, ¿cómo terminaste al frente de INXS?
Hace tres años, estaba de gira en Sidney, Australia, como soporte de Paolo Nutini. Andrew [Farris] era amigo de la banda y lo conocí en una fiesta después de un show. Él se mostró impresionado con mis composiciones y, simplemente, nos hicimos amigos. Fue algo muy orgánico, natural. Nos mantuvimos en contacto por dos años y, hace unos meses, me llamó para que volviera a Australia a escribir canciones juntos. A la banda le gustó lo que estábamos haciendo, en especial mi voz y manera de cantar. Congeniamos y, antes de que me diera cuenta, me ofrecieron el trabajo. Este es el momento más impresionante de mi carrera. No puedo dejar de remarcar lo contento que estoy por trabajar con estos tipos.

INXS tiene una historia difícil con los cantantes y, encima, la comparación con Michael Hutchence siempre está presente. ¿Estás conciente del desafío en el que te metiste?
Sí, lo estoy. Hay muchos niveles de este trabajo que van a ser duros, pero el principal es la comparación que la gente va a hacer de cualquier cantante con Michael. Crecí escuchando a este grupo y me vi influenciado por Michael como compositor y cantante. Es un peso muy grande el que tengo sobre mis hombros: saber que tengo que rendir homenaje al legado que dejó esa gran estrella de rock. Pero, al mismo tiempo, tenemos que mostrarles a los fans que podemos avanzar en una nueva dirección positiva. Va a ser muy difícil, pero me siento seguro y la banda está entusiasmada.

¿Ves tu ingreso como la continuidad de un proceso o más como un nuevo comienzo para INXS?
Creo que, en muchos sentidos, es un nuevo comienzo. Perder al frontman es algo muy difícil para cualquier grupo. Los demás miembros tuvieron 14 años muy duros desde que Michael murió y creo que todos sentimos que es como si estuviéramos volviendo a empezar. Tenemos que seguir adelante y mostrarle a la gente que esta banda, musicalmente, tiene algo que decir. Pero también hay que encontrar el equilibrio para darles a los fans lo que quieren, particularmente cuando tocamos en vivo. Todos desean escuchar las grandes canciones, como "New Sensation", "Suicide Blonde" y "Never Tear Us Apart", y vamos a tocarlas. Pero también tenemos que hacerles saber que vamos a avanzar con música nueva.

Hablando de eso: ¿cómo son los nuevos temas? ¿Van a tocar algunos en Argentina?
Habremos escrito unas ocho o nueve canciones con Andrew y las cosas están yendo bárbaro. El problema es que, con los shows cerca, tenemos que enfocarnos más en el catálogo de la banda. Obviamente, ellos lo conocen, pero yo tengo que aprendérmelo bien y perfeccionarlo.

Vas a debutar mundialmente como frontman de INXS ante la audiencia latina, que puede ser muy cálida pero también muy dura cuando algo no le gusta. ¿Cómo te preparaste?
En los ensayos, hablamos mucho de los argentinos y de la historia de amor que tienen con INXS. En mi cabeza, me vengo preparando para esto desde hace tiempo. Cuando me aprendí estas canciones, me imaginaba qué iba a estar haciendo arriba del escenario. Creo que el secreto es darles a los fans exactamente lo que quieren. Cuando yo voy a ver un show, quiero que la banda me compre, y lo lindo de INXS es que tiene un catálogo impresionante. No puedo esperar para hacer bailar a la gente con clásicos como "New Sensation" o "Suicide Blonde".

¿Qué te pareció el reality show de TV que hizo la banda para buscar vocalista?
Honestamente, vi solo pedacitos de ese programa. Fue interesante que INXS hiciera eso. Recibieron críticas y comentarios negativos, pero también fue algo muy valiente y sacaron muchas cosas positivas. Encontraron un cantante en J.D. Fortune y tuvieron un período exitoso que, simplemente, llegó a su fin. No creo que haya ninguna animosidad entre J.D. y la banda: ellos sabían que era una especie de experimento que cumplió su ciclo. Creo que le prestó un gran servicio a este grupo y todos le deseamos lo mejor.

Cuando escuché la nueva canción, "Tiny Summer", me sorprendí con lo parecida que es tu voz a la de Bono. ¿Es una influencia consciente?
No creo. Comparar, pensar "a ver a quién se parece este tipo nuevo", es parte de la naturaleza humana. Algunos comparan mi voz con la de Bono, otros con la Chris Martin o con la de Thom Yorke. No me molesta para nada, porque son cantantes legendarios. Pero creo que la gente, con el tiempo, cuando me escuche, se va a dar cuenta de que tengo mi propia voz.

Por las dudas, no uses lentes en el escenario, a ver si te confunden...
No, tranqui: dejo los anteojos de Bono en casa, ja. En lo que a mí respecta, voy a salir al escenario con toda la pasión de mi alma para cantar esas canciones y tratar de entretener. Estoy muy ansioso por ir a la Argentina y tener una cálida bienvenida.

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Cinco recomendaciones para el Festival Buenos Aires Rojo Sangre

2011-10-28T07:11:00.000-07:00

Hasta el 2 de noviembre, se realiza la edición 12 del festival de cine fantástico Buenos Aires Rojo Sangre, en el Complejo Monumental Lavalle. Acá, destacamos cinco películas para no perderse.

The Whisperer in Darkness (2011)
Jueves 27, 20 hs.
Viernes 28, 24 hs.

Luego de The Testimony of Randolph Carter y la sobrecogedora The Call of Cthulhu, la H. P. Lovecraft Historical Society vuelve con esta adaptación del cuento homónimo incluido en Weird Tales del maestro de Providence: la historia de un escéptico profesor universitario que viaja a un pueblito de Vermont para encontrar terribles secretos detrás de la aparición de extraños cuerpos con forma de insectos gigantes flotando en los ríos, luego de un misterioso temporal. Los amantes de Lovecraft tampoco deberán perderse Die Farbe (El color), versión libre de The Colour out of Space, el miércoles 2 a las 22.

Attack the Block (2011)
Viernes 28, 22 hs.
Sábado 29, 14hs y 24 hs.

Un grupo de pibes de barrio tienen que hacerle el aguante al monoblock donde viven contra la invasión de los extraterrestres más grosos desde los Critters. La referencia ochentosa no es un capricho: el debut de Joe Cornish (guionista de la próxima Las aventuras de Tintín) es un genial collage de referencias a todo el cine juvenil de aventuras y fantasía de aquella década, con el apoyo en la producción del inefable Edgar Wright (Muertos de risa, Arma fatal y Scott Pilgrim vs The World). Imaginate Super 8 en versión “pibes chorros” o todo lo bueno que podría haber sido Skyline: La invasión si pasaba en el conurbano.

Revolución tóxica (2011)
Sábado 29, 22 hs.
Domingo 30, 20 hs.
Martes 1, 16 hs.

A 15 años de Plaga zombie y una década de Zona mutante (que se pueden ver completitas y gratis acá y acá), los desquiciados muchachos de FARSA Producciones regresan para completar la primera trilogía de muertos vivientes/alienígenas en Latinoamérica. Sangre, tripas, bichos, humor… en fin, todo lo que nos gusta, una vez más.

Livide (2011)
Martes 1, 22 hs.
Miércoles 2, 22 hs.

A la hora de buscar buen cine de horror todos miramos a oriente, pero la “nueva ola” francesa del género no tiene nada que envidiarle. Películas como Haute Tension (2003), Ils (2006), La Horde (2009) o La Meute (2010) pueden ponerte los pelos de punta. Tanto como lo nuevo de Julien Mary y Alexandre Bustillo (À l´Intériur, 2007): la historia de una joven cuidadora de ancianos que se entera de que una paciente en coma cerebral esconde un tesoro en su mansión. Con un grupo de amigos, irrumpirá para encontrarlo, pero la casa oculta algo más.

La profecía del 11-11-11 (2011)
Miércoles 2, 22 hs

Para el cierre del festival, una predicción apocalíptica: a las 11:11 del día 11 de noviembre, una entidad de otro mundo ingresará al reino terrenal a través de la puerta 11 del Cielo y todo se irá al demonio. Por suerte, en esta parte del mundo lo nuevo de Darren Lynn Bousman (El juego del miedo II, III y IV y el musical gótico industrial REPO! The Genetic Opera) llega antes que su estreno mundial y tendremos un preview del Armagedón.

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Columna tech en "No Somos Nadie" (Rock & Pop)

2011-10-26T10:22:00.001-07:00

la biografía de Steve Jobs, sus declarciones contra Google y la posibilidad de una TV de Apple. Además, el Iris, el Siri de Android; los Nokia con Windows Phone; cómo Microsoft gana plata con Android y la noticia del año: MC Hammer sale a competir contra Google.

Ocho grandes catástrofes de la historia de la tecnología - Rock & Pop

2011-10-19T06:55:00.001-07:00

¿La caída del servicio de Blackberry la semana pasada fue lo peor que nos pasó en la vida tecnológica? Pindonga: en "Nos somos nadie" repasamos las ocho grandes catástrofes de la historia de la tecnología. Por Rock & Pop (FM 95.9), junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson.

Cine: críticas de Don Gato, Detrás de las paredes y Asesinos de elite

2011-10-14T10:36:00.001-07:00

Comentarios de los estrenos cinematográficos de la semana en "Bebe va de 10", con Bebe Contepomi, Violeta Santamarina y Martín Urruty, por FM ESPN 107.9.

Ocho lecciones que nos dejó Steve Jobs - "No somos nadie" (FM Rock & Pop)

2011-10-12T06:41:00.001-07:00

Audio del programa "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), donde reseño ocho lecciones que podemos aprender de Steve Jobs, cofundandor de Apple e ícono de la computación, tras su fallecimiento.

Cine: críticas de "Gigantes de acero" y "El rey león 3D"

2011-10-07T11:30:00.001-07:00

Comentarios de los estrenos cinematográficos de la semana en "Bebe va de 10", FM ESPN 107.9.

Crine: críticas de "El árbol de la vida", "Conan: el bárbaro" y "Vaquero"

2011-10-07T11:29:00.001-07:00

Comentarios de los estrenos cinematográficos de la semana en "Negro Positivo", FM ESPN 107.9.

TV: cinco nuevas series imperdibles

2011-10-07T11:02:00.000-07:00

El recambio de temporada en Estados Unidos trae muchos programas interesantes para seguir.

Terra Nova: Jurassic Park reloaded
El calendario marca 2149 y la Tierra está en su último suspiro: superpoblada, agotada de recursos naturales y con tanta polución que las nuevas generaciones jamás vieron la Luna al mirar al cielo. Pero la ciencia descubre un portal que permite a la humanidad viajar 85 millones de años atrás y tener una segunda oportunidad. Esta es la historia de los primeros colonos de este nuevo viejo mundo dominado por los dinosaurios en su tarea de reescribir la prehistoria y evitar los mismos errores del pasado futuro. Estrenada el último lunes en Argentina por Fox, la serie producida por Steven Spielberg promete un greatest hits de casi todo el sci-fi cinematográfico conocido: desde la estética cyberpunk de Blade Runner hasta la conciencia tecnoecológica de Avatar (incluso participa Stephen Lang, también en un rol de milico duro), pasando por la aventura de Jurassic Park y “homenajes” a Soylent Green (1973) y La fortaleza (1992).

Death Valley: División Zombi
¿Qué pasa si un día zombis, vampiros y lobizones invaden California y ponen patas para arriba la actividad policial? La respuesta es fácil en Estados Unidos; ¡hagamos un reality! La nueva serie de MTV nos muestra, en clave documental y con un ultraviolento humor negro, las rutinas de un grupo de agentes en una ciudad donde la ley y el orden se vieron trastocados por la súbita aparición de los monstruos favoritos del terror: desde requisar hogares para controlar si los hombres lobo están debidamente encerrados en sus casas las noches de luna llena, hasta evitar la organización de peleas clandestinas de muertos vivos. En pocas palabras: imaginen a George Romero dirigiendo COPS.

Pan Am: MAD woMEN
Con aires de superproducción (el piloto costó un estimado de 10 millones de dólares), la serie propone un retrato de los conflictos sociales, políticos y económicos ocurridos en la década del 60 apelando a la estética de Mad Men (aunque con más ritmo y menos nicotina) y a una óptica femenina con más altura que la de Desperate Housewives. Pan Am nos sube a bordo de la aerolínea que circunvaló la historia para acompañar a un grupo de pilotos y azafatas (encabezados por Christina Ricci) en un viaje que hace escalas tanto en el glamour parisino como en la crisis cubana y la guerra fría.
Crimen, amor, espionaje, intriga internacional y girl power desde la vida de las mujeres que le volaron la cabeza a una generación.

Person of Interest: Caras conocidas
Tras el fracaso de Undercovers, J.J. Abrams, creador de Lost y Fringe, vuelve como productor de lo que mejor sabe: complots, paranoia y mucha acción a cargo de dos rostros amigos de las conspiraciones. Michael Emerson (el ex “lostie” Benjamín Linus) es un misterioso millonario que ideó un sistema de vigilancia capaz de identificar personas involucradas en futuros crímenes, pero incapaz de determinar si son víctimas, perpetradores o testigos: solo se tiene un número de seguro social. Con la intención de prevenir las muertes que son “irrelevantes” para el Gobierno contrata a Jim Caviezel (Six en la excelente nueva versión de The Prisoner), un vagabundo ex agente de la CIA que será su brazo ejecutor para corregir el destino. Los dos primeros capítulos no deslumbran, pero (como todo lo de Abrams) enganchan. Se estrena en nuestro país el 18 de octubre por Warner Channel.

The Fades: Veo gente muerta
Directo de la BBC llega esta ficción sobrenatural sobre un adolescente que sufre apocalípticos sueños de un mundo convertido en cenizas y que, por accidente, se vincula con un misterioso grupo de personas que luchan contra espíritus que no lograron “ascender” al “cielo” y se quedaron atrapados (y muy enojados) en la Tierra. Otra propuesta del gran guionista Jack Throne (Skins, This Is England `86, Shameless), oscura, retorcida, con ese particular humor inglés y, como todo lo que sale de las islas, muy breve: apenas seis capítulos.

Tears For Fears en Buenos Aires: una lágrima

2011-10-03T12:01:00.001-07:00

El dúo que alguna vez pudo dominar el mundo sobrevive entregado a la nostalgia

Foto de Tomás Correa Arce

"Esta puede ser nuestra última oportunidad. ¿Cuándo haremos que funcione?". Promediando la noche, a eso de las 22:15, las estrofas de "Advice For the Young At Heart" suenan a pregunta retórica para Tears For Fears, pareja que "funciona" hoy como esos matrimonios que se mantienen por costumbre, asentados en el confort que ofrece una historia en común lo suficientemente agradable y conocida como para seguir. Salen, se divierten, lucen activos, pero visitan los mismos restaurantes, piden el mismo plato y hablan siempre de lo mismo, recordando esas anécdotas una y otra vez. Solo tienen pasado por delante. En el caso de Roland Orzabal y Curt Smith, esto se traduce en girar por el mundo y pasarla bien de la mano de las memorias y un "nuevo" disco que los muestra contentos y juntos tras una década de separación, pero que en realidad es una obra de hace ya siete años, ignorada por la mayoría, que propone un "regreso" que, desde su título, sentencia un final y que, lejos de sonar a renovación, parece una banda Beatle rindiendo tributo a Sgt. Pepper's. El dúo que en los 80 pudo dominar el mundo está rendido, entregado a la nostalgia y no parece tener conflictos con su triste plan para el futuro: "nuestro objetivo es sobrevivir y morir en paz", le confesó hace unos días a la prensa, antes de su recital en México.

Pero no nos adelantemos, volvamos a las 21:08 de Buenos Aires, cuando los ingleses salieron al escenario con "Everybody Wants to Rule the World" y, al menos, la ambición de dar un buen concierto ante un público que esperó más de 20 años por verlos reunidos de nuevo tras aquella presentación en Vélez coartada por la lluvia (y opacada por un "soporte" de la talla de Soda Stereo). Y este show fue, más que bueno, pulcro, distendido pero flemático, sobrio en la puesta, correctísimo en la ejecución (aunque con un sonido algo saturado por el clásico "efecto cajón" del Luna Park) y con poca emotividad desde el escenario. Recién en el cuarto tema, "Change", apareció cierto entusiasmo cuando Orzabal alimentó el mito de sus raíces criollas y se alegró, en un muy gracioso "español", de estar "en la patrrría [sic] de sus abuelos y primos".

El set alternó himnos como "Sowing the Seeds of Love", "Mad World" y "Pale Shelter" con canciones no tan conocidas, como "Secret World", "Call Me Mellow" y "Closest Thing To Heaven" (de Everybody Loves a Happy Ending, esa "vuelta" que vienen presentando desde 2005), todas de impecable actuación, pero desapasionadas, sin calentura, con una apatía general que hizo que grandes momentos interpretativos, como el genial cover en clave soul de "Billie Jean" y el jam country-jazz de "Badman's Song", lucieran como elementos algo descolocados en el conjunto de la presentación. La temperatura subió recién hacia el final, con "Break It Down Again" (lo único del período "solista" de Orzabal), "Head Over Heels" y lo mejor de la noche: "Woman in Chains", donde Michael Wainwright (solista que es opening y corista de la banda) hizo olvidar a Oleta Adams y se robó los aplausos, y el cierre de estadio a los gritos con "Shout".

"Gracias, buenas noches", dijeron. Tears For Fears dejó el escenario y se fue al hotel a empacar este kit de supervivencia hacia un nuevo destino. El público oldie, siempre despreocupado por el mañana, volvió a casa feliz de escuchar sus clásicos favoritos. Y así "funciona": todos terminan descansando en paz.

Lo mejor y lo peor: actores músicos

2011-09-22T13:25:00.000-07:00

Un recorrido por lo bueno y lo malo de las estrellas que saltaron de la pantalla al escenario del rock y pop.

Lo mejor

Zooey Deschanel
Aaaah, Zooey, Zooey [léase entre suspiritos de amor]: ¿qué te podemos decir? Sos nuestra “Manic Pixie Dream Girl” favorita del cine (a pesar de que nos hayas roto en corazón en 500 días con ella), de la TV (su serie New Girl, estrenada hace poquito, promete) y de la música, como parte del sencillamente encantador dúo She & Him. Nada más: escuchala y trata de no enamorarte, si podés.

Milla Jovovich
Antes convertirse en Alice y salir a reventar zombies en la saga Resident Evil, la ex supermodelo demostró una gran sensibilidad musical en 1994 con The Divine Comedy, un excelente disco de pop avant-garde con elementos folk de Europa oriental, muy recomendable para cualquier fan de Kate Bush o Tori Amos. Sería el único álbum de la actriz, quien luego realizó diversas composiciones para muchas de sus películas y hoy suele publicar sus nuevas canciones gratis en su sitio web.

Hugh Laurie
“No nací en Alabama en 1890, no me alimenté a base de granos, ni coseché para un patrón… Este disco muestra lo que soy: un inglés de clase media transgrediendo abiertamente las melodías y la música del mítico sur estadounidense”, dijo el actor, famoso por su rol en TV como el huraño Dr. House, sobre su Let Them Talk, disco debut en el que se da el gusto de meterse con clásicos del blues de New Orleans, lucirse como instrumentista (más que como cantante) y, como reza el título, dejar a los demás hablando (y muy bien) de su desfachatez.

Jared Leto
Con un historial de interesantes roles menores en filmes como El club de la pelea (1999) o Psicópata americano (2000), y luego de su papel consagratorio en Réquiem por un sueño (2000), el babyface de Louisiana intercaló escenografías con estadios al frente de 30 Seconds to Mars: un power-trio de actitud emo, estética cinematográfica y estribillos de estadio que revientan la taquilla de histeria.

Juliette Lewis
Parece mentira que aquella inocente bebota de Cabo de Miedo (1991) se haya convertido en esta salvaje supervixen de graznido punk y gesto fuck-yeah, líder de los ya desaparecidos Juliette and The Liks, ahora en clave solista (aunque secundada por The New Romantics). Una natural born rocker.

Lo peor

David Hasselhoff
Hacia mediados y fines de los 80 (otra vez esa década infame), justo cuando estaba a punto del bajarse del Auto Fantástico y salir a nadar en dólares con Baywatch, “The Hoff” decidió ahogar eso que llamamos música con una carrera que obtuvo un particular suceso en Alemania, Suiza y, presumimos, otros países con gran población sorda, gracias a “hits” como “Crazy For You” (¡un terrible afano a “Y.M.C.A.” de los Village People!). Después, vendrían cosas como esta y, ¡Dios mío!, esta. Dicen que este año se pinchó un dueto con KITT porque el coche sonaba más afinado.

Don Johnson y Philip Michael Tomas
Las drogas afectaron tanto a quienes alguna vez encarnaron a los policías antinarcóticos de la serie División Miami que les hizo creer que podían cantar. A pesar de sus limitaciones vocales, el ex Sonny Crockett logró un top 5 en 1986 con “Heartbeat”, primer single de un disco homónimo en el que supo rodearse de estrellas de la talla de Tom Petty, Willie Nelson, Ron Wood y Stevie Ray Vaughan, entre otros. Incluso se daría el gusto de cantar junto a Barbra Streisand un par de años más tarde y no desentonar demasiado. Su moreno compañero no tuvo tanta fortuna: realizó un bizarro dueto con Lucia Galán (de Pimpinela) y solo conoció la cima de los ránkings porque el clip de “Just the Way I Planned It” trepa entre los peores videos de la historia.

Eddie Murphy
Parece que la cosa es así: un día, el ex comediante se despertó y dijo “Ey, ¡yo también puedo ser Prince! ¡O Michael Jackson!” y desde entonces, tenemos que sufrir, además de sus películas, cosas como esta:

Natalia Oreiro
La muñeca brava es una actriz talentosa y versátil, capaz de saltar del drama de la sacrificada madre mucama de Francia (2009) a ser reina de los sueños kitsch en la simpática comedia musical Miss Tacuarembó (2010), sin perder un solo fotograma de gracia y belleza en el trayecto. Pero, ay, ay, ay: “Tu veneno” es la muestra de que, a veces, lo que la cámara ama, el micrófono lo sufre.

Premio al esfuerzo

Jada Pinkett-Smith
Debemos reconocer que, si una actriz desea “robar” con la música, buscaría algo más accesible que formar una banda heavy. Pues bien, la esposa de Will Smith y protagonista de la saga Matrix es una enfermera para el infarto en la serie HawthoRNe, pero como diosa del metal al frente de Wicked Wisdom resulta, más allá de sus nobles intenciones, un caso de mala praxis.

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Lo mejor y lo peor: músicos actores

2011-09-12T14:16:00.000-07:00

Justin Timberlake vuelve al cine con el estreno de Amigos con beneficios y aprovechamos para recordar lo bueno y lo malo de aquellos que largaron el micrófono y se proyectaron en la pantalla (no, no incluimos “películas” de Palito Ortega).

Lo mejor

David Bowie en El hombre que cayó a la Tierra (1976)
Esta adaptación no le hace justicia a la brillante novela homónima de Walter Tevis, pero hay que salvar la buena elección y performance del ex Ziggy Stardust para encarnar a un extraterrestre que llega a nuestro planeta con un plan para rescatar su condenado mundo y la cultura terráquea lo termina convirtiendo en el alien más alienado del universo. Fue el primer protagónico del Duque Blanco, quien después tendría una larga (y dispar) filmografía de extraños roles, como John, el vampiro de El ansia (1983), el malvado Rey Goblin de Laberinto (1986) y hasta Poncio Pilato en La última tentación de Cristo (1988).

Courtney Love en Larry Flynt - El nombre del escándalo (1996)
Muchos miraron de reojo cuando Miloš Forman eligió a la polémica dama del grunge para interpretar a la esposa del fundador de la revista Hustler y magnate del porno en su batalla legal por el derecho a la libertad de expresión. Columbia Pictures temía que el recurrente problema de adicción y el polémico estilo de vida de la líder de Hole pusieran en peligro el film y hasta se negó a pagarle el seguro durante el rodaje (gasto que corrió a cargo del mismo director y del protagonista, Woody Harrelson, y que obligaba a Love a hacerse rutinarias pruebas de orina). Lo cierto es que la cantante les tapó el agujero a todos con una destacada interpretación, que le valió varios premios, incluida una nominación al Globo de Oro.

Eminem en 8 Mile: calle de ilusiones (2002)
Luego de haber batido récords de ventas con The Marshall Mathers LP en 2000, y poco meses después del gran éxito de The Eminem Show, la aparición de esta cinta semiautobiográfica parecía una movida oportunista para aprovechar el apogeo comercial del blondo artista. Pero el film de Curtis Hanson (Los Angeles al desnudo), lejos de ser otro Cool As Ice, resultó un sólido drama que nos dejó grandes escenas (la batalla del rap es genial) y muchas ganas de ver más seguido a Slim Shady en la pantalla grande.

Queen Latifah en Chicago (2002)
La rapera del Bronx tiene un interesante currículum como actriz, con algunos trabajos destacados, como el de la ladrona de Set It Off (1996). Pero sería en este multipremiado film de Rob Marshall (Nine, Piratas del Caribe: navegando aguas misteriosas) donde logra reunir su actitud bad-ass con su potente voz para brillar en uno de los musicales más soportables (y disfrutables, seamos sinceros) de la historia.

Justin Timberlake en Red Social (2010)
El ex ‘N Sync ya había mostrado buenas dotes actorales en El lamento de la serpiente negra, Juegos prohibidos (ambas de 2006) y varias desopilantes apariciones en Saturday Night Live, pero su rol como el dot-com golden boy Sean Parker en la historia de David Fincher sobre la creación de Facebook lo consagró como uno de los músicos con más prometedora proyección en la pantalla.

Lo peor

Gene Simmons en Never Too Young To Die (1986)
Antes de consagrarse como estrella de reality shows, el bajista de Kiss probó con la actuación en una serie de desastrosas cintas durante los 80, entre ellas Runaway (de 1984, con Tom Selleck) y Wanted: Dead or Alive (de 1987, con Rutger Hauer). Pero su peor papel fue para este film en el que encarna a un villano hermafrodita (sí, leíste bien) que amenaza con matar a todos los habitantes de Los Ángeles mediante el envenenamiento del suministro de agua. El video a continuación demuestra cómo su romance con Cher y el hair metal de aquellos años hicieron estragos en el otrora demonio del rock.

Mick Jagger en Freejack (1992)
Si vamos a ser justos, deberíamos decir que lo peor de Jagger en el cine fue su protagónico como el bandido australiano Ned Kelly (1970). Pero la leyenda dice que, gracias a ese film, el líder de los Rolling compuso el himno “Brown Sugar”, lo cual lo libera de culpa y cargo. Lo que es imperdonable es su participación en esta aventura sci-fi donde encarna a un mercenario que secuestra gente del pasado para que sus cuerpos permitan extender la vida de millonarios enfermos de un futuro contaminado, ambientado en ¡2009! Jagger se divirtió manejando una tanqueta, disparando a lo loco y, claro, se olvidó de regalarnos otro clásico.

Madonna en Insólito destino (2002)
Todo lo que ha entregado la Ciccone en el cine es bastante pobre, desde sus primeras experiencias en plena “madonnamanía”, como Shanghai Surprise (1986) o ¿Quién es esa chica? (1987), hasta roles algo más exigentes, como los de Cuatro habitaciones (1995) o Una pareja casi perfecta (2000). Pero lo de este film ya es el acabose: Guy Ritchie, su por entonces marido, la pone a hacer casi de sí misma (una bella ricachona post 40, consentida, amargada y arrogante que se involucra sentimentalmente con un marinero italiano) y la blonda cantante termina por confirmar que es una chica material descartable para el séptimo arte.

Britney Spears en Crossroads: Amigas para siempre (2002)
Tres egresadas del secundario redescubren su amistad saliendo a la ruta para cumplir los sueños y promesas que se hicieron de pequeñas. Una road-movie que pretende ser un aleccionador viaje a la madurez en el que Spears atropella todo lo que llamamos cine, arrolla al espectador y se da a la fuga para (por ahora) nunca más volver.

Cher en Noches de encanto (2010)
Antes de que su rostro quedará plastificado en una eterna mueca de incertidumbre, la diva del pop supo entregar buenos trabajos en el cine, como en Máscara (1985) o Hechizo de luna (de 1987, aunque la cabeza de ese Oscar le pertenece a Nicolas Cage, vamos). Después, la cantante se dedicó a cosechar éxitos dance gracias al auto-tune hasta su vuelta a la interpretación como una poco convincente “tutora” revisteril de una Christina Aguilera que le pone cuerpo y voz a un musical muuuy afónico.

Publicado en Rolling Stone >>

Comentario sobre el lanzamiento de Netflix en Argentina - No Somos Nadie (Rock & Pop)

2011-09-07T15:37:00.001-07:00

Audio de la tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson. En esta oportunidad, hablamos de la llegada al país de Netflix, el servicio norteamericano de películas online.

Cinco buenas películas sobre bodas

2011-09-02T07:09:00.001-07:00

Audio del programa "Negro Positivo", donde recomiendo cinco grandes películas sobre casamientos, a modo de "precalentamiento" por el estreno del film nacional "Mi primera boda". Con Alejandro Coccia y Magui Aicega.

Entrevista al director Adrián Caetano, sobre el canon a films extranjeros - FM ESPN

2011-09-02T06:54:00.001-07:00

Audio del programa "Negro Positivo", donde entrevistamos al director Adrián Caetano, quien opinó sobre el gravamen del INCAA al estreno de films extranjeros. Con Magui Aicega y Gustavo Sgalla por FM ESPN (107.9)

Análisis sobre el gravamen del INCAA a estrenos de films extranjeros - FM ESPN 107.9

2011-09-02T06:38:00.001-07:00

Audio del programa "Negro Positivo", por FM ESPN (107.9), donde comentamos la resolución del INCAA para establecer un gravamen a los films extranjeros según la cantidad de salas en las que se estrenen.

Never Shout Never: creciendo con amor

2011-08-29T14:15:00.000-07:00

Christofer Drew, el principito emo-folk, aterriza en Buenos Aires y trae histeria teen, fasito, peace and love.

Tomemos un cantante baby-face capaz de desatar tormentas de estrógeno entre las teenagers, digamos un ¿Justin Bieber? OK, ahora agreguemos un porro, el 40 por ciento de los tatuajes de Travis Barker, el peinado de un emo mal dormido, muchas canciones folk sobre paz y amor y, así, podemos llegar a elaborar una idea aproximada de Christofer Drew, voz, cuerpo y alma de Never Shout Never, que el próximo miércoles 31 llegará a Buenos Aires para dar un concierto en El Teatro Colegiales.

Pero detrás de este imaginario collage de estéticas y estilos que intenta esbozar un perfil, también está el retrato de uno de esos tantos artistas que, siendo muy jóvenes, crecen y maduran sobre el escenario, quemando etapas a la vista de todos y a la hipersónica velocidad del musicbusiness 2.0 actual. Un Google Images vale más que mil palabras.

Desde su Missouri natal, Drew comenzó a ganar popularidad siendo apenas un quinceañero mediante MySpace, donde su nerdy look y las tiernas canciones de (des)amor adolescente en criolla y ukelele cosechaban hasta 15.000 plays por día y dejaban corazones con agujeritos. Al poco tiempo, ya tenía tres EP editados, hasta que el sello Warner descubrió la gran sensibilidad melódica y el arrastre entre las teenyboppers de este principito emo-folk y lo fichó para su catálogo. Bajo la multinacional, el año pasado lanzó no uno, sino dos LP con productores de lujo: What Is Love?, con Butch Walker (hacedor de discos para Avril Lavigne, Weezer y Panic! At The Disco, entre otros) y Harmony, junto a Butch Vig (el hombre detrás del Nevermind de Nirvana y de la batería de Garbage). Sus radiables temas de dos minutos con ingenuas letras sobre amor ("Te quiero uno, y dos, y tres, shoo-bee-doo") y paz ("Iniciamos una guerra, ¿para qué? / Peleamos por la paz") le valieron varios "top" en Billboard, rotación en MTV, más de 2,5 millones de "amigos" en Facebook y 157 millones de reproducciones en redes sociales. Y todo en apenas tres años.

Claro que un suceso tan repentino puede traer conflictos y comportamientos polémicos en alguien tan joven. Drew, de ahora 20 años, confesó haber tenido problemas en aceptar el éxito, "mayormente, una falta de confianza; no tenía una verdadera comprensión de mí mismo y de lo que quiero lograr". Además, desde corta edad es cultor del cannabis ("fumo marihuana todos los días") y experimentó en varias oportunidades con LSD. "No quiero responsabilizar a las drogas del flujo creativo, pero debo decir que me abrieron la cabeza hacia una nueva compresión de la música", reconoce.

Quizás fue esta apertura la que lo llevó a adentrarse en la escena rave de California y encontrar que "hay mucho más en la vida que pretender ser Bob Dylan". Lejos del one-man show basado en acústica y armónica, ahora Never Shout Never es un cuarteto liderado con actitud rocker y sonido sintetizado. Su próximo álbum, Time Travel, definido por el cantante como un "renacimiento" musical inspirado en el dance y la música new-age, saldrá el 20 de septiembre. Ciertamente, el primer corte homónimo, que se puede escuchar en su site http://www.nevershoutnever.com/videos/, está más cerca de Owl City y The Postal Service que de un presunto Salieri de Robert Allen Zimmerman. "The Times They Are a-Changin'", ironizaría Bob.

Drew, que solo conoce nuestro país porque "usaba el equipo argentino en el FIFA 99", se define: "Nunca quise quedarme estancado tocando la misma canción una y otra vez... Y jamás tenés que evaluarte en función de la etiqueta que la gente te pone. Yo sé quién soy".

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Never Shout Never – What Is Love?

Columna sobre Wikivotos en "No somos nadie" - FM Rock & Pop

2011-08-24T06:49:00.001-07:00

Audio del programa "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), donde comento junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori y Ana Gerschenson las denuncias del sitio wikivotos.org, que reveló irregularidades en las elecciones primarias del 14/8 a partir del análisis de los telegramas del Correo Argentino con el recuento de votos.

Cine: Críticas de El planeta de los simios, Cowboys y Aliens y Cerro Bayo

2011-08-19T14:07:00.001-07:00

Comentarios de los estrenos cinematográficos de la semana en "Negro Positivo", junto a Alejandro Coccia, Magui Aicega y Martín Altberg, Por ESPN FM 107.9

Google compró Motorola - "No somos nadie" FM Rock & Pop

2011-08-19T11:56:00.001-07:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson. En esta oportunidad, analizamos la adquisición de Motorola Mobility por parte de Google: implicancias con la pelea de patentes IT e impacto en el negocio de las telecomunicaciones móviles.

Erasure en el Luna Park: puto el que lee (y no fue)

2011-08-16T10:50:00.000-07:00

El dúo tecno pop sacó del clóset el placer culposo de toda una generación y lo puso a bailar en un show para el recuerdo; hoy la fiesta del reencuentro continúa: andá, no seas marica.

Foto de Leo Liberman

"Yo tenía Wild!", una confesión al paso que escucho en el ingreso al campo. Yo también teníaWild! La mayoría de los que vinimos esta noche teníamos Wild! Quizás, después, terminó en alguna cueva de discos, como canje o parte de pago por Nevermind o el álbum negro de Metallica (porque así son los gustos cuando sos adolescente). O por ahí quedó oculto entre la nostalgia y la vergüenza en la torre de CD de casa (porque así de pudorosos nos ponemos de grandes). Pero todos teníamos Wild! Y hoy, más de dos décadas después, todos vinimos a recuperar algo de ese disco, a asumir aquello que Erasure supo darnos y significó. Y aquí estamos y aquí están ellos, a 14 años de su última y desapercibida visita, ahora sobre las tablas de un Luna Park atiborrado de recuerdos y ansioso por reencuentros. Un regreso con gloria.

Lejos de su look diva electro-trash, con esos trajes que desafían las ventas de garaje de Elton John y Liberace juntas, Andy Bell subió al escenario apenas con un saco de lentejuelas rojo y pantalón negro, acaso el after de la intervención de un Queer Eye for the Camp Guy.Atrás, la inconmensurable figurita de Vince Clarke, firme tras su PowerBook y un controlador, disparando secuencias cual confeti, dando rienda suelta a un kindergartensonoro para los calientes y frágiles de corazón. La escenografía completó la sobriedad kitsch: un enorme logo de Erasure circa 1991, como pastilla gigante para remediar el desamor con (p)optimismo.

"Hideaway" y "Breath of life" soltaron las primeras alegrías y globos entre un público de fiesta.

"Tengo la boca seca, voy a tomar un poco de té", dijo Bell, en un más que digno castellano, y la infusión calentó una de las mejores gargantas del pop actual que no flaqueó una sola nota en todo el show. Su voz hirvió con "Fingers & Thumbs (Cold Summer's Day)", "Always", la gran balada "Ship Of Fools" y los quemapistas "Victim Of Love", "Chains Of Love" y "Sometimes". ¿Tecno? ¿Dance? Sí, pero "Push me, Shove me", "Knocking On Your Door" y "Who Needs Love (Like That)" demuestran que el código binario de Erasure es, por sobre todo, disco. Celebrate good times, come on!

Afuera, el mundo es una revuelta de violencia, represión y muerte, pero aquí, la tragedia solo la pone el teatro de Andy Bell. El Luna, esta noche, es otro planeta, habitado con personas unidas por tiernas melodías de una banda que invita a "vivir en armonía", "mirarse a los ojos", "mecerse hasta quedar dormido en los brazos" del otro y "enamorarse como niños". Agente, agente: arréstenos pronto por ser tan inocentes.

Esta sensiblería infantil tuvo un especial acento argentino que escapó del usual setlist en esta gira de éxitos: "Breathe", con su primera estrofa cantada en español, y una versión "de fogón" de "When I Needed You", tema que en el extranjero apenas es un lado B del single "Ship Of Fools", pero que en nuestro país la radio Z95 transformó en un hit de igual talla.

Más tarde, llegarían la histeria plástica de "Drama!", el estreno de "Save Me" (espíritu soul y pulso bass beat para lo nuevo del dúo), la ironía de "Love To Hate You" (quizás, el mayor flirteo lírico y musical de Erasure con los Pet Shop Boys), la conciencia green de "Chorus" y "Oh L'Amour", con un público ya devenido en desvergonzados barrabravas del melodrama y "El Palacio de los Deportes" transformado en el emporio del cotillón.

"Stop!" fue la última señal en este viaje en el tiempo y el "Weeeee'll beeee together again." de Bell sonó como invitación final a reencontrarse no solo con una banda, sino con la felicidad de esos momentos de despreocupada desfachatez, de aquel pedo en Bariloche, del blooper casamentero, o del chic@ que te apretaste en algún boliche. El regocijo y orgullo de abrazar fuerte tus debilidades más grasas, la alegría de ponerte esa camisa floreada que amás y dejaste encerrada en el clóset solo por las miradas suspicaces de los demás, junto al placer culposo de disfrutar estas tontas canciones que se te pegaron a la piel como brillantina.

Yo salí a reencontrarme con mi copia de Wild! El 126, acá enfrente, me deja donde la dejé, cerca del Parque Rivadavia. En la parada, con la llovizna calmando la fiebre en los pies, otra confesión al paso acusa, vía celular, el resumen de una noche para el recuerdo:
- ...Estuvo buenísimo. ¿Bolú, por qué no viniste?... Sos un maricón.

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Críticas de Linterna verde, La oscuridad y ¿Diferente de quién? - FM ESPN 107.9

2011-08-13T12:11:00.001-07:00

Comentarios de los estrenos cinematográficos de la semana en "Negro Positivo", junto a Alejandro Coccia, Magui Aicega y Martín Altberg.

Entrevista con Vince Clarke: "La mirada de los demás es irrelevante"

2011-08-13T06:15:00.000-07:00

La otra mitad de Erasure y figura clave del synth-pop habla de recuerdos, prejuicios, los nuevos discos con Andy Bell y Martin Gore y la fiesta que se viene en Buenos Aires.

De las cinco o seis bandas en las que se puede resumir el pop electrónico, Vince Clarke formó tres. Y listo: acá podríamos terminar esta presentación. Pero, mejor, detallemos. Fue parte de esa primera e ingenua encarnación de Depeche Mode, allá por 1981. Un año más tarde, demostró que el tecno más elemental podía tener soul y blues en Yazoo, con la brillante vocalista Alison Moyet. Y desde 1985 es, junto a Andy Bell, el 50 por ciento de Erasure, acaso una de las más exitosas manifestaciones del arte camp: 17 singles en el top ten, otros 13 entre los 20 principales, cinco discos seguidos número uno en el Reino Unido y 25 millones de placas vendidas en el mundo.

El dúo también fue un particular suceso en Argentina a fines de los ochenta, cuando sus hits, irradiados desde la célebre emisora Z95, se impregnaron para bien o mal -pero para siempre- en la memoria de todos los que hoy cuentan entre 30 y 40 años. El fenómeno llevó a más de 30.000 personas en 1990 a dejar marcados los compases de "Who Needs Love (Like That)", "A Little Respect" y "Stop!" en el césped de Vélez Sarsfield.

A 21 años de ese hito local de la escena electrónica y a 13 de su última visita, la dupla vuelve al país para presentarse en el Luna Park el lunes y martes próximos, en el marco de una gira que revive aquellas viejas buenas canciones. Pero también hay presente en esta historia. Erasure regresa con un nuevo disco, que saldrá en octubre, producido por un joven exponente actual del sonido que ellos definieron hace décadas, Frankmusik (que, oh casualidad, nació en 1985, justo cuando la banda editaba sus primeros singles). Y Clarke se reunirá con su viejo compañero de Depeche Mode, Martin Gore, en un álbum en conjunto que verá la luz en 2012.

Desde un hotel en San Pablo, horas antes de dar la cuarta de sus cinco presentaciones en Brasil, Clarke recorrió ayer, hoy y mañana de una banda sin tiempo.

En la Argentina Erasure está muy identificado con un momento del país, y el recital que dieron en 1990 fue todo un símbolo de esa época. ¿Qué recordás de aquel show?
Recuerdo que la gente era muy cálida, que recibimos mucho apoyo y el clima durante el concierto fue muy, pero muy festivo.

¿Sabías que "Oh L'Amour" fue adaptado acá como cantito de fútbol? Que los hooligans argentinos canten canciones de Erasure es muy loco.
¡Sí, sí, sabía y me pone muy contento! Ja, en otros lugares es impensable que se haga algo así.

Un tour que recorre los principales hits es una buena manera de reconectarse con el público de Sudamérica y Argentina, que todavía recuerda sus clásicos...
Sí, estamos haciendo una especie de gira de "grandes éxitos", así que vamos a tocar temas de cada uno de nuestros discos. Y vamos a incluir "Save me", un track del próximo álbum. En la mayoría de los casos, el público va a saber la letra y podrá cantar con nosotros. Los shows que hicimos hasta ahora fueron interesantes porque había mucha gente joven que no conocía las canciones, pero que sabía la letra. Así que supongo que anduvieron buscándolas por Internet. Fue muy agradable.

Parece que te reencontraste con tu pasado en los últimos años. Saliste de gira con Yazoo, hiciste remixes para Depeche Mode y ahora estás trabajando con Martin Gore. ¿Por qué pasó esto?
Bueno, Alison [Moyet] me llamó porque se cumplían 25 años de Yazoo. Me preguntó si quería hacer algo y nos pareció adecuado armar un tour aniversario con ese material. En cuanto a la colaboración con Martin Gore, lo que pasó es que yo quería hacer un disco tecno minimalista. Empecé a componer y pensé que Martin tal vez podía llegar a estar interesado en hacer algo así. Así que le mandé un e-mail y me contestó que sí, que quería. Y, bueno, hace seis meses que venimos trabajando juntos. Pero no fue planeado y no es que me pegó la nostalgia: simplemente estas cosas se fueron dando y no dejé pasar la oportunidad.

¿En qué estado está esa colaboración y cómo se va a llamar?
El disco está terminado, todo grabado y tenemos mixes que preparar. Se va a lanzar a principios del año que viene y, por ahora, es "El proyecto sin nombre", je je.

¿Qué nos podés adelantar de Tomorrow's World, el nuevo álbum de Erasure?
Es un álbum muy diferente a lo que hicimos antes. Trabajamos con un nuevo productor, Frankmusik, y suena más pleno, fuerte. Los discos anteriores tenían un sonido muy minimalista, y este es maximalista. Son canciones tradicionales de Erasure, pero con una producción que se siente más grande.

Frankmusik es uno de los mejores herederos del sonido Erasure pero, ¿por qué lo eligieron?
Cuando seleccionás a un productor, buscás a alguien que te saque de tu zona de confort y él lo hizo. Fue muy bueno: nos llevó a Andy y a mí en una dirección en la que nunca habríamos ido de no haber sido por su guía.

Muchos citan a Erasure como influencia, como Scissor Sisters y Hercules and Love Affair. ¿Cuál es tu opinión sobre el tecno pop actual? ¿Te gusta lo que se está haciendo?
Me parece que la electrónica está en un momento muy estimulante, hay muchas más bandas y la gente usa la tecnología como nunca antes. Parte de la razón es que la tecnología no es tan cara como solía ser. Pero, además, la generación que está haciendo esta música ahora no es consciente del tecno de los años ochenta, no tiene referencias. Entonces, para ellos, es todo un campo nuevo.

Erasure tuvo tantos éxitos como, por ejemplo, Oasis. Sin embargo, no goza de la misma reputación o credibilidad entre la prensa y parte del público. ¿Por qué creés que pasa esto? ¿Es prejuicio? ¿Creés que ese estilo camp, la exuberante estética gay, les resta reconocimiento?
No, no lo creo, la verdad. Y, sinceramente, no es algo en lo que nos detengamos a pensar. Al fin y al cabo, hacés música lo mejor posible y para vos mismo. En lo que a mí concierne, la mirada de los demás es irrelevante.

¿Cómo te gustaría que Erasure sea recordado?
Lo más importante para nosotros es ser buenos compositores. Y ser recordados como creadores de buenas canciones sería lo máximo.

¿Alguna recomendación para los recitales de la semana próxima?
No se olviden de traer sus sombreritos de fiesta.

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Columna en "No Somos Nadie" (Rock & Pop) sobre "Anonymous"

2011-08-10T16:42:00.001-07:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson. En esta oportunidad, recorrimos la historia de Anonymous, el colectivo de hackers y ciberactivistas que amenazó con destruir Facebook el próximo 5 de noviembre.

Las peores y ¿mejores? adaptaciones de dibujos animados

2011-08-05T11:57:00.000-07:00

Se estrena Los Pitufos y hacemos un recorrido por lo malo y lo menos malo que nos dejó el paso del cartoon al live action en la pantalla grande.

Antes que nada: El historial de adaptaciones de dibujos animados al cine “vivo” es tan, pero tan catastrófico, que resultó imposible seleccionar cinco películas y calificarlas como “mejores” de este rubro. Por eso, las agrupamos como “las menos malas”. Hecha la aclaración, pasemos a la discusión.

Lo menos malo

5. El inspector Gadget (1999)
El dibujito del detective cyborg mezcla del Inspector Clouseau y Maxwell Smart (Don Adams incluso le puso la voz original) tuvo su versión de carne y bits en la interpretación de Matthew Broderick que, vamos, fue lo más decoroso de esta producción de Disney. Pese a las pobres críticas, el film generó lo suficiente como para hacer una secuela en 2003 que fue directo al video. Ya era un nuevo milenio y tiempo de decirle “Go, Gadget, go away”.

4. Los Pitufos (2011)
Si bien tienen su origen por fines de los 50 en el cómic del dibujante belga Peyo, los suspiritos azules lograron fama mundial gracias a la serie animada de TV de Estados Unidos producida por Hanna-Barbera en los 80. Los pequeñitos, ahora revitalizados por la magia del cine digital y 3D hollywoodense, escapan de su utópica aldea socialista perseguidos por Gargamel y terminan en Nueva York, donde descubren las bondades del capitalismo moderno: Pitufina se entera de que puede tener más de un vestido, Gruñón endulza su mufa con M&M’s y todos entonan la insoportable pituficanción al compás del Guitar Hero Aerosmith. ¿Vieron, chicos? Al final, los comunistas siempre se venden.

3. Casper (1995)
Una simpática comedia ATP protagonizada por Christina Ricci y Bill Pullman que resultó un buen ejemplo de cómo se puede recuperar un personaje olvidado de los años 40. El gag de “Gasparín” imitando a Schwarzenegger vale que la vuelvas a alquilar (si es que encontrás un videoclub fantasma).

2. Las tortugas ninja (1990)
Leonardo, Donatello, Miguel Ángel y Rafael nacieron en la historieta, se hicieron populares en la TV y fueron un suceso mundial en el cine con esta película que no caducó en el tiempo y demuestra cuánta magia hay en los efectos especiales tradicionales. Una masa (y no de pizza).

1. Transformers (2007)
Pueden decir lo que quieran del pirotécnico cine de Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor), pero su trilogía sobre la lucha entre Autobots y Decepticons es un festival para los ojos (además de una de las franquicias más exitosas de la historia). Claro, los guiones patinan y lo único que te puede hacer carburar son los camiones de Megan Fox y Rosie Huntington-Whiteley, pero, para mí, ya es mérito suficiente que la película haya resuelto los dos grandes misterios del dibujo animado: ¿Por qué si Megatron era del mismo tamaño que otros transformers cuando se convertía era tan grande como un revólver? ¿Y dónde corno se metía el trailer de Optimus Prime cuando se transformaba? ¿Eh? ¿¿Eeeehh??

Lo peor

5. Aeon Flux (2005)
Buenas intenciones, grandes locaciones, pésimo casting. La bella Charlize Theron resultó algo rellenita y carente de malicia pícara para darle vida a la fibrosa y elástica terrorista sadomaso creada por el genial dibujante Peter Chung, para ese gran ciclo de animación llamado Liquid Television que daba MTV en los 90. Quizás Uma Thurman teñida de morocha hubiera sido una mejor opción (más después de ver su gimnástica y sangrienta performance en Kill Bill).

4. Masters of the Universe (1987)
Este traspaso a la pantalla grande de la popular línea de juguetes y serie animada de He-Man seguramente aniquiló la infancia de cualquiera que hoy tenga entre 30 y 40 años. Aparentemente, el poco presupuesto del film se gastó en aceite para el cuerpo de Dolph Lundgren y dicen que ningún tigre accedió a pintarse de verde para hacer de Cringer / Battle Cat y ser parte de este bochorno. Frank Langella zafó porque se consiguió una careta de Michael Jackson para personificar a Skeletor. Se rumorea que, por culpa de este film, Eternia dejó de dar visa a los humanos…

3. El último maestro del aire (2010)
La serie animada original es uno de los productos más exitosos de Nickelodeon, sobre un niño capaz de controlar las fuerzas de la tierra, el agua, el aire y el fuego en un mundo dividido en esas cuatro naciones. Pero Night Shyamalan (El sexto sentido, Señales) mostró su poder para hacer humo una potencial franchising con el peor y más caro film de su decadente carrera. Un fiasco artístico y comercial que, al menos, obtuvo varios premios Razzie (los anti-Oscar), incluido el de peor película.

2. Scooby-Doo (2002)
OK, debo reconocer que tengo un problema personal con este film. Por aquel tiempo, llevé a mi sobrinito a ver Mercano, el marciano, pero ese día no la daban y la única opción era meterse en esta adaptación de los detectives de lo sobrenatural ideados por Hanna-Barbera allá por 1969. Desde entonces, él es un chico algo retraído y nunca más me dirigió la palabra. Lo entiendo: es lo menos que se merece cualquier persona que haya sometido a una criatura a semejante sufrimiento.

1. Los Picapiedras (1994)
Esto se resume muy fácil: vean el trailer y, luego, el de la versión porno. Díganme ustedes cuál película tiene más dignidad.

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La columna tech en "No somos nadie" (FM Rock & Pop)

2011-07-27T07:44:00.001-07:00

La ya tradicional columna tecnológica de los miércoles en "No somos nadie", por Rock & Pop (FM 95.9), junto a Juan Pablo Varsky, Lucía Rodríguez Bosch, Santiago Calori, José Del Río y Ana Gerschenson. En esta oportunidad, hablamos de LinkedIn; la nueva Apple Store en la Grand Central Terminal de NYC; Gmail; cómo el cine 3D afecta la vista y el videojuego de Deepak Chopra.

Cine: lo nuevo de George Romero, John Carpenter y Jim Carrey, en FM ESPN 107.9

2011-07-22T08:12:00.001-07:00

Columna del 21 de julio en el programa "Negro Positivo", de FM ESPN 107.9, donde comentamos los estrenos de "La reencarnación de los muertos", "Atrapada" y "Los pingüinos de papá", junto a Alejandro Coccia, Magui Aicega y Martín Altberg.

Diez grandes películas sobre zombis

2011-07-22T07:40:00.000-07:00

Como se estrena La reencarnación de los muertos, de George Romero, aprovechamos para repasar lo mejor de este putrefacto subgénero.

10) White Zombie (1932)
OK, verla en la actualidad puede dar ganas de comer tu propio cerebro, pero no podíamos dejar fuera del listado a la que es considerada la primera cinta de zombis de la historia. Y, encima, está el inmortal Béla Lugosi. La podés disfrutar entera a continuación.

9) Shock Waves (1977) y 8) Dead Snow (2009)
Que te agarre un zombi vaya y pase, pero si encima es nazi, ¡kaputt! Hay muchas obras sobre muertos vivos de la SS, aunque entre las más delirantes está Shock Waves, con la leyenda Peter Cushing como el científico creador de un batallón de supersoldados del Eje (llamados “The Death Corps”, je) que terminan sembrando el terror en las costas de Florida (WTF!?).
Dead Snow, por su parte, es una película noruega sobre siete jóvenes estudiantes que tienen la desgracia de vacacionar en la cabaña de una helada región que, en tiempos de la Segunda Guerra Mundial, fue ocupada por tropas germanas que, por lo que se ve, todavía no se retiraron del lugar. Un desopilante blitzkrieg de tripas y sangre.

7) Zombie: Noche de pánico (1979)
Conocida también como Zombi 2 (aunque no es secuela de nada), se trata del film más popular de Lucio Fulci, maestro del horror italiano. La película reconecta el género zombi con sus orígenes en la práctica vudú y fue prohibida en varios países por su alto contenido de violencia (para la época). Pero si hay algo por lo que esta cinta quedará en la historia es por ser la primera y única en mostrar a un zombi devorando un tiburón, en una escena para ahogarse de risa.

6) Muertos de risa (2004)
No hay Apocalipsis zombi que pueda interponerse en la lucha de un treintañero loser por recuperar el amor de su novia. Otra desquiciada creación de ese gran trío de la comedia british conformado por el director Edgar Wright y el dúo Simon Pegg y Nick Frost (Arma fatal, Paul), que ya habíamos destacado como una de las diez grandes comedias de la última década, http://www.rollingstone.com.ar/1376431-diez-grandes-comedias-de-los-ultimos-diez-anos y no podía faltar en esta selección.

5) El regreso de los muertos vivos (1985)
Empleados de una empresa de productos médicos liberan por accidente el gas contenido en unos misteriosos barriles militares y así desatan un pandemónium de muertos resucitados ávidos por comer ¡cerebros! El debut como director de Dan O'Bannon (leyenda del cine sci-fi y terror, guionista de Alien: el octavo pasajero, El vengador del futuro y creador de efectos para La guerra de las galaxias) es una genialidad: toma la crítica al sistema que caracteriza a la filmografía de Romero y la salpica con entrañas de humor mórbido para crear, acaso, la primera punk-zombie movie (chequeen la banda de sonido con The Damned y The Cramps). Se puede completita en YouTube empezando por acá http://www.youtube.com/watch?v=kn7b7aVkHtc

4) Muertos de miedo (1992)
Mucho antes de hacer una fantástica y épica cantidad de guita con El señor de los anillos, Peter Jackson creó esta pequeña gran obra para recordarnos que, en la vida, lo peor no es que tu vieja se muera, sino que regrese hecha un zombi (y peor aun si intentás matarla con estimulante para caballos en lugar de veneno). Braindead, en su título original, tiene todo lo que una cinta del género amerita, incluidos un zombi cura karateca y otro con cabeza de enano de jardín. Además, es un gran manual de uso sobre las formas más repugnantes para deshacerse de los muertos vivos: desde molerlos con la cortadora de césped hasta pasarlos por la licuadora. Para ver con impermeable y un tacho de basura a mano, porque vas a vomitar carcajadas.

2) y 3) El amanecer de los muertos (1978) y (2004)
La segunda cinta en la saga iniciada por George Romero una década antes es su mejor obra, la más pulida en su sátira a la sociedad de consumo a partir de la historia de un grupo de personas que se refugia de una embestida zombi en un shopping. Veinticinco años después, Zack Snyder (300, Watchmen) se animó a debutar como director realizando una nueva versión y el resultado superó las expectativas, con una obra aun más dura, compleja e impactante.

1) La noche de los muertos vivos (1968)
Acá empezó todo, con poco más de 110.000 dólares, varios litros de jarabe de chocolate como sangre y 96 minutos de cinta de 16mm. El film de George Romero fundó el género tal como ahora lo conocemos, es una obra maestra que generó seis entregas con decenas de lecturas, múltiples parodias y centenares de películas que se inspiraron en ella. En 1990, Tom Savini (maestro de los FX y colaborador de Romero) hizo una muy decente remake, pero la original es insuperable. Si todavía no la viste, acá la tenés enterita y en full HD.

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El PRO: Mucho más que globos amarillos...

2011-07-14T16:39:00.000-07:00

... También son macetones luminosos!! Ahora sí: paren la segunda vuelta, es al pedo.

Más allá de Harry Potter: otros magos en el cine

2011-07-13T16:53:00.000-07:00

Recordamos a ilusionistas que hicieron historia en la pantalla grande, a horas de la despedida final del hechicero más taquillero del mundo.

1. El gran Houdini (1953)

Todavía faltaban algunos años para que Tony Curtis se transformara en un verdadero encantador de audiencias y, acaso, precursor de todos los George Clooneys y Robert Downeys Jrs que vinieron después (si no me creen, miren la serie Dos tipos audaces, o The Persuaders!, con otro carismático chanta: Roger Moore), pero su rol como el mago más grande de todos los tiempos hipnotizó a miles. La cinta dista de ser una rigurosa biopic y ficcionaliza mucho la vida del escapista húngaro, pero se ha convertido en un clásico que incluye a otra mítica figura cinematográfica: Janet Leigh, esposa de Curtis, quien se convertiría en una megaestrella en 1960 gracias al papel de Marion Crane en Psicosis. El film está disponible completo online acá http://cor.to/LN4.

2. El mago asesino (1954) y El cuervo (1963)
El ENORME Vincent Price personificó dos magos muy particulares. Primero, fue un diseñador de trucos para otros ilusionistas que intenta tener su propio show como “Gallico, el grande” y se ve obstaculizado por su socio, a quien termina matando, en el film de 1954. Después, junto a las glorias Peter Lorre y Boris Karloff, fue parte de un desopilante power trio de hechiceros en duelo bajo el misterio de Edgar Allan Poe y la varita directriz de Roger Corman, leyenda del cine clase B y autor de varias de las cintas de terror más recordadas de la historia. Además, por si fuera poco, ¡voilà!: la aparición de un jovencísimo Jack Nicholson. Ambas películas se pueden ver completas en YouTube acá http://cor.to/LMa y acá http://cor.to/L5r

3. The Wizard of Gore (1970)
Pochoclos bañados en sangre para esta demencial obra de Herschell Gordon Lewis, “el padrino (al menos estadounidense) del cine splatter”, sobre “Montag, el magnífico”, un mago completamente pirado que descuartiza a sus jóvenes asistentes en cada truco. Se hizo una remake en 2007 http://www.youtube.com/watch?v=p2TaZzBb3Gc con Crispin Glover, pero gore era el de antes: se le veían todos los trucos y, aun así, conservaba la magia.

4. El ilusionista y El gran truco (2006)
No es la primera vez que en un mismo año se estrenan dos films casi calcados (Impacto profundo y Armageddon en 1998, por ejemplo), pero este quizás es uno de los pocos casos donde ambos son muy buenos, cada uno abordando el ilusionismo desde una óptica: la presencia de lo sobrenatural en este arte, en la historia de un amor prohibido de El Ilusionista (de Neil Burger); y la entrega por idear el truco perfecto y el sacrificio por mantener su secreto (la vida por la magia, si se quiere) en la obra de Christopher Nolan (de pie, señores).

5. El ilusionista (2010)
Un mago francés en el ocaso de su carrera busca sobrevivir haciendo una gira por lugares marginales del Reino Unido. En un bar de Escocia conoce a una ingenua niña que, maravillada con sus trucos, comienza a acompañarlo en sus diversas presentaciones.
Dirigido por Sylvain Chomet, un verdadero genio de la animación y creador de Las trillizas de Belleville (nominada al Oscar, al igual que esta), este es un relato sobre la amistad y el amor paternal casi sin apelar a las palabras, solo desde el tierno y melancólico lenguaje de las expresiones y los gags chaplinescos, tan trágicos como cómicos. En tiempos de modernidad, velocidad, plástico y bits, este film es un plácido y nostálgico viaje al pasado para revelarnos la magia del lápiz y el papel.

Hocus Bonus

Magia (1978)
Todos tememos a Hannibal Lecter como el personaje más trastornado de Anthony Hopkins. Pero hubo otro: Corky Withers, un mago al que no le va muy bien y se pasa a la ventriloquia, incorporando en su espectáculo al muñeco Fats. Todo es un éxito, hasta que Fats se apodera de él. La película no es muy recordada (y hay varios motivos para olvidarla), pero la actuación de Sir Hopkins es digna de Copperfield.

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Críticas de "Cars 2" y "Malas enseñanzas" en FM ESPN 107.9

2011-07-08T10:04:00.001-07:00

Cine: críticas de "8 minutos antes de morir", "El Laberinto" y "Aballay" en FM ESPN

2011-07-06T11:54:00.001-07:00

Audio de la columna de cine que todos los jueves compartimos en "Dando la vuelta" (FM ESPN 107.9) con Germán Paoloski, Mechi Margalot, Seba Almada y el Zorrito. En esta oportunidad, repasamos los estrenos de "8 minutos antes de morir", "El laberinto", "No me quites a mi novio" y "Aballay", la película nacional de Fernando Spiner. Incluye la entrevista que tuvimos con Nazareno Casero, protagonista del film.

Cine: crítica de Transformers 3 y Medianoche en París en FM ESPN

2011-07-06T11:29:00.001-07:00

Audio de la columna de cine que todos los jueves compartimos por FM ESPN (107.9) en el programa "Bebe va de 10" con Bebe Contepomi, Violeta Santamarina y Martín Urruty. En esta oportunidad, comento los estrenos de Transformers: El lado oscuro de la luna, de Michael Bay, y Medianoche en París, de Woody Allen.

La polémica sobre el Canon Digital, en "Bebe va de 10", por FM ESPN

2011-07-06T11:19:00.001-07:00

Audio completo de mi columna sobre el Canon Digital, donde charlamos con Bebe Contepomi, Violeta Santamarina y Martín Urruty sobre este polémico proyecto de Ley, en el programa "Bebe va de 10", de FM ESPN (107.9).

Daniel Filmus en No Somos Nadie (Rock & Pop)

2011-07-06T11:11:00.001-07:00

Audio completo de la entrevista a Daniel Filmus, candidato a Jefe de Gobierno por la Ciudad de Buenos, en el programa del 6 de julio de No Somos Nadie, por Rock & Pop.

Netflix, Google +, Windows 8 y más, en No Somos Nadie (Rock & Pop)

2011-07-06T10:37:00.001-07:00

Columna tech en el programa No Somos Nadie, de FM Rock & Pop, del día 6 de julio, en la que hablamos de la llegada de Netflix a la Argentina, el furor por Google +, el lanzamiento de Windows 8 y cómo mataron a Obama en Twitter.

Pacific!: mitología y ballet en clave electro-pop

2011-06-18T15:45:00.000-07:00

El dúo sueco presentará en Buenos Aires Narcissus, disco sobre el mito griego de Eco y Narciso concebido como banda de sonido para danza contemporánea. ¡¿Queeé?! Uno de sus integrantes lo explica, aunque promete un show de “rock and roll electrónico”.

Suecia tiene uno de los estándares de vida más altos del mundo, los autos más seguros, los muebles más cool y fáciles de armar, el premio más prestigioso. Pero, en realidad, hay dos motivos principales para vivir allá: las mujeres y la música. Bueno, más bien las blondas diosas del hielo son una excusa para ir, y la música una razón para quedarse. La calidad artística del país escandinavo en el rubro es tal que se ufana de ser el tercer exportador de música en el globo, después de Estados Unidos y el Reino Unido, con ingresos por más de 800 millones de dólares, según información del propio consulado.
El dato cobra realidad cuando uno repasa referentes históricos obligados como ABBA o Roxette, y otros más actuales, como José González, The Sounds, El Perro del Mar, Lonely Dear, Covenant, Robyn, The Knife, The Hives, Opeth, Jay-Jay Johanson, Mando Diao, Miike Snow, The Field, The Radio Dept., Lykke Li y Wildbirds & Peacedrums, entre decenas de otras propuestas de alta calidad en rock, pop, folk, electrónica, metal y jazz.
A este contingente de bienes de exportación podemos sumar Pacific!, dúo electro-pop oriundo de Gotemburgo formado por Björn Synneby y Daniel Hogberg, que quizás varios en nuestro país escucharon por primera vez gracias a este tweet de Gustavo Cerati.
Luego de Reveries (2008), un disco de dulces canciones cocinadas al fulgor de Beach Boys y Air, la banda lanzó Narcissus (2010), obra conceptual inspirada en el mito griego de Eco y Narciso y concebida como banda de sonido para un ballet contemporáneo, que funde a Electric Light Orchestra con el retrofuturismo de Daft Punk y la fantasía new-age de Jean-Michel Jarré. ¡Guauu! Sueña tan pretencioso como cursi, pero mejor dejemos que Synneby nos cuente de qué se trata Pacific! antes de que lleguen a Buenos Aires el próximo 21 junio para presentarse en Niceto Club.

Es la primera visita al país y sus discos no están editados acá. ¿Cómo describirías Pacific! al público argentino?
Estamos en Gotemburgo, cerca del puerto, es junio y estoy dejándome llevar y soñando con lo que pasa en lugares que están del otro lado del océano. No sé: somos un poco románticos, nos gusta mucho estar en el estudio y crear canciones que nos dejen contentos. Electro-pop soñador: esa es una manera de explicar lo que hacemos.

Se los identifica con un sonido entre The Beach Boys, Air y Daft Punk. ¿Reconocen esas influencias o más bien se asocian con otros artistas?
No, tenés toda la razón. Nos identificamos completamente con Air, porque es una de nuestras bandas favoritas. Nos gusta mucho la banda de sonido de Las vírgenes suicidas. Nos encanta Daft Punk y el álbum Discovery. Y, por supuesto, tenemos la influencia de los Beach Boys.

Cruzar mitología griega, ballet y música electrónica sueña tan interesante como arriesgado ¿Cómo surge la idea de Narcissus y cómo fue el trabajo de conjugar una historia clásica con música pop y ballet?
Encontramos este mito griego que tiene un final hermoso, oscuro y dijimos “¡dale, hagamos un ballet!". Pensamos que iba a ser pan comido, pero fue bastante arduo, la verdad, porque teníamos que combinar el arte con el pop electrónico y la danza moderna. Fuimos ingenuos (y lo seguimos siendo, por supuesto), pero aprendimos un montón.

¿El show en nuestro país incluirá la performance de danza?
No, vamos a tocar la mayoría de nuestro trabajo, pero va a ser un recital de rock and roll electrónico, no uno de ballet.

Pacific! tiene apenas dos trabajos y uno ya es un álbum conceptual. ¿Qué podemos esperar para el tercero? ¿Una ópera-rock?
¡No: un disco de country! ¡Ja! Lo más probable es que sea un lindo álbum bolichero, más “clubby” que los discos dance que podés encontrar en los pubs, creo.

¿Es verdad que hay pica entre las bandas de Gotemburgo y Estocolmo?
Mmmh… Puede ser… No entre las bandas, pero tal vez hay algunas diferencias culturales, las que siempre existen entre ciudades grandes y chicas. Acá, en Gotemburgo, tenés más tiempo para hacer buena música. En Estocolmo llevan una vida más rápida, agresiva y creo que eso puede escucharse también.

Dale, no seas tan diplomático. ¿Quién tiene las mejores bandas?
Es muy fácil para mí decirlo: Gotemburgo. Hay un buen grupo de Estocolmo que se llama Dungen. Y, claro, ellos tienen a Robyn también, pero no puedo decir que me gusta.

Cuando uno repasa nombres, se queda sorprendido por la calidad de los artistas suecos. ¿Acaso hay mala música allá?
Je, je. Artistas como José González y El Perro del Mar (N del R: quien colabora en el disco Narcissus) son de nuestra ciudad. Se podría decir que sentimos la influencia del mismo estilo de vida. Quizás es la vida de Gotemburgo lo que hace que haya buena música. Qué sé yo: en una de esas es el aire o algo que tiene el agua de acá.

Pacific! – “Unspoken” (feat. El Perro Del Mar)

Pacific! – “King Of The Night” (live ballet performance)

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Lo mejor de Philip K. Dick en el cine

2011-06-17T11:54:00.001-07:00

Hoy se estrena Los agentes del destino, otra de las muchas obras del gran maestro de la ciencia ficción que se adaptaron a la pantalla grande y que aquí destacamos.

“Soy un filósofo ficcionalizador, no un novelista; empleo mi habilidad para narrar historias como un medio para formular mi percepción”, escribió alguna vez Philip K. Dick en su diario. Y la percepción que Dick tuvo del mundo (o de los mundos) fue muy particular: autoritario, tóxico, hipervigilado, con una difusa frontera entre lo real y lo imaginario. Allí donde la ciencia ficción más "tradicional" de Isaac Asimov y Arthur C. Clarke construyó un futuro iluminado y esperanzador, Dick diseñó distopías, cuestionó autoridades, reescribió el pasado, alteró conciencias, tejió conspiraciones, criticó corporativismos y sumergió cualquier creencia en una adicción a la duda, incluso al borde de una sobredosis de esquizofrenia. Al sci-fi clásico, Dick trajo el rock, abriendo las puertas a una nueva percepción del género y de la realidad.
Como todo genio, tuvo una vida pobre y murió demasiado joven. Fue un bebé prematuro y perdió a su hermana gemela de pequeño. Sufrió la adicción a diversas sustancias y alegaba tener visiones místicas, que llegó a atribuir al contacto con una inteligencia divina. Se casó y se divorció cinco veces, nunca tuvo un mango, cobraba miserias por sus textos y, por eso, trabajó como una máquina: dejó más de 150 obras, entre novelas y cuentos cortos. Tuvo tanta mala leche que su cuerpo dijo basta a los 53 años, tan solo tres meses antes del estreno del primer film basado en uno de sus trabajos (Blade Runner, inspirado en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?) y de poder disfrutar de la fama y masividad que, luego, ganarían sus relatos.
Más de diez de sus textos se llevaron a la pantalla grande, de mejor o peor manera. Hoy se estrena el ¿thriller romántico? Los agentes del destino (a cargo de George Nolfi, mismo autor de La nueva gran estafa y Bourne: el ultimátum, y basado en el cuento “Adjustment Team”). Y pronto veremos las adaptaciones de sus dos obras más emblemáticas: El hombre en el castillo, en formato miniserie para la BBC con la producción de Ridley Scott; y Ubik, en largometraje con la dirección de Michel Gondry.
A continuación, una selección de las mejores películas inspiradas en su prosa. Pero claro, esto, como todo lo relacionado con Dick, es también una cuestión de percepción.

1. Blade Runner (1982)
La película que más influenció al sci-fi después de 2001: Odisea del Espacio es este policial negro con el que Ridley Scott redefinió la manera de imaginar el futuro: El mundo como un bazar urbano interminable, multiétnico, superpoblado, contaminado y revestido en cuero (sintético), piel y metal, silicio y neón, donde tecnología y decadencia son lo mismo y en el que la idea de ser humano parece tan confusa como la distinción entre hombre y androide. Blade Runner es, quizás, el primer art-film de ciencia ficción de la historia. Incomprendido en su momento por el público, la crítica y hasta el mismo estudio cinematográfico, fue una decepción en la taquilla, en parte por su tono sombrío y psicológico, y porque su estreno fue casi coincidente con otras cintas más “populares” del mismo género, como E.T., Tron y El enigma de otro mundo. Terry Rawlings, supervisor de edición del film, quizás dio la mejor explicación para ese “fracaso”: “Blade Runner fue un estudio sobre el futuro y, en aquel entonces, nadie quería ver un mañana como el que el film predecía”. Veinticinco años más tarde, gracias al VHS primero y el DVD después, podemos volver a ese futuro de culto, maravillarnos con su romántica decrepitud y seguir con la duda existencial: ¿Es Rick Deckard (Harrison Ford) un replicante?

2. Minority Report: Sentencia Previa (2002)
Tom Cruise es el jefe de la unidad PreCrimen de la policía, un equipo especial que, gracias a tres seres con capacidades precognitivas, puede apresar a personas antes de que cometan un crimen. Pero una trampa lo muestra como futuro asesino y se convierte en prófugo de un delito que nunca estuvo por cometer.
Steven Spielberg se tomó muchas licencias al llevar a la pantalla el cuento original y creó un thriller policial con fascinantes componentes estéticos de anticipación, muchos de los cuales hoy son casi realidad (como los avisos publicitarios que interactúan con los transeúntes, o las computadoras que se operan con ademanes). Debajo de tanto chiche, subyace uno de los dilemas favoritos de Dick: la posibilidad del libre albedrío en una realidad que parece predeterminada por otros (tema que también es leitmotiv de Los agentes del destino).

3. El vengador del futuro (1990)
La primera adaptación de Dick al cine fue un decepción comercial, pero la segunda fue un blockbuster dirigido por Paul Verhoeven y protagonizado por Arnold Schwarzenegger como un obrero de la construcción terrestre que resulta ser un luchador por la independencia (y terraformación) marciana. En el medio de todo esto, aparecen la clásicas obsesiones philipdickianas: corporaciones que manipulan mentes, implantes para la vigilancia, dualidad de la personalidad y confusión entre fantasía y realidad. Son parte de esta revolución extraterrestre una ascendente Sharon Stone (que, dos años más tarde, haría la abertura de gambas más famosa de la historia en Bajos Instintos), y ese ENORME actor menor que tiene el sci-fi: Michael Ironside.

4. Una mirada a la oscuridad (2006)
El director Richard Linklater ya había empleado la técnica de rotoscopiado (dibujo sobre la imagen previamente filmada) para la onírica Despertando a la vida, y acá vuelve a utilizarla para sumergirnos en la intoxicada “realidad” de Bob Arctor (Keanu Reeves), un policía de narcóticos encubierto que, por la adicción a la poderosasustancia D, pierde la noción de su personalidad. Una injustamente poco reconocida adaptación del relato A Scanner Darkly, con un imperdible Robert Downey Jr. que hasta cuando está dibujado actúa bien.

5. El pago (2003)
Detesto el cine de John Woo (su supuesta poesía de la violencia me parece de lo más grasa) y menos lo banco Ben Affleck como actor (#listolodije), pero este es uno de los casos donde la historia está por encima de cualquier nombre: un genio que es contratado por grandes corporaciones para realizar ingeniería inversa sobre productos de la competencia y que, luego de cada labor, borra su memoria para proteger los secretos industriales de sus clientes. Hasta que un día, luego de un trabajo que le prometía millones, lo recontragarcan y debe volver a recordar todo para desentrañar el engaño. Una gran idea que no está muy bien aprovechada, pero eso no impide disfrutar de un Dick en su salsa: conspiraciones industriales, manipulación cerebral, paranoias varias y, en medio de eso, un hombre en lucha. Lástima las palomas de Woo que, cuándo no, cagan todo.

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Bebe va de 10 - Novedades de la e3 2011

2011-06-11T15:22:00.001-07:00

Columna del programa "Bebe va de 10", de FM ESPN 107.9, del día 7/06, donde comenzamos hablando sobre la consola Sony PlayStation Vita, los nuevos juegos para Kinect y otras novedades de la E3 2011, pero terminamos en los viejos fichines y otros desvaríos.

Videojuegos: lo mejor de la E3 2011

2011-06-11T14:24:00.000-07:00

Un resumen con lo más destacado de la Electronic Entertaiment Expo (E3), la feria anual más importante del mundo de la industria gamer. Consolas, tiros, líos, fantasía y mucha sangre.

1. Nintendo Wii U
Desde su lanzamiento, allá por finales de 2006, Wii cambió la forma de jugar y ahora su sucesora apunta a que el entretenimiento sea non-stop. La estrella es su nuevo control, equipado con una pantalla táctil de 6 pulgadas, que sirve tanto de mando como de consola portátil. Si se está disfrutando de un juego en la TV, uno puede cambiar en un clic y continuarlo en el control, o bien este puede ser un complemento de ciertos elementos del juego que no son mostrados por la pantalla convencional, como un mapa, un arma o ser la pelotita virtual en un partido de golf. También puede usarse como una tablet PC para dibujar, hacer videoconferencias, navegar la web y hasta compartir fotos y videos entre el control y la televisión.
La posibilidades parecen infinitas y ahora solo resta ver si los desarrolladores de videojuegos se dejan tentar por las funcionalidades que ofrece este nuevo equipo para la creación de títulos más potentes y ambiciosos que los que la plataforma Wii ofrece en la actualidad (muy basada en juegos familiares, infantiles o “refritos” de sagas históricas, como la ya quichicientas versiones de Super Mario BROS.).
Habrá que esperar hasta nuestro otoño de 2012, pero mientras tanto podemos babearnos con este video que explica todo mejor que yo.

2. Sony PlayStation Vita
El otro chiche destacado de la expo fue la nueva consola portátil de Sony, que necesitaba mostrar algo que alejara la atención del escandaloso “PSNetwork-gate”, el hackeo que tumbó el servicio por semanas y comprometió la información personal de más de 70 millones de usuarios.
La sucesora de la PSP es un lindo fierrito para el entretenimiento móvil: pantalla táctil de 5” OLED, multi-touch trasero, dos sticks (como los del tradicional joystick de la PlayStation), procesador de cuatro núcleos, doble cámara, GPS, detector de movimiento y Bluetooth, en modelos Wi-Fi (US$ 249) o Wi-Fi y 3G (US$ 299). Características muy superiores en precio y performance a su rival directo: la Nintendo 3DS.
El otro hardware destacado que presentó la firma nipona fue el PlayStation 3D Display, un televisor LCD full HD de 24 pulgadas especialmente diseñado para disfrutar de juegos en tres dimensiones de PlayStation 3 (US$ 499, en Estados Unidos).

3. Más juegos para Kinect
Microsoft no trajo grandes novedades a esta edición de la E3. Los creadores de Windows sumaron funcionalidades de TV online a la Xbox y ponen las fichas a seguir consolidando Kinect (el sensor de movimiento que elimina el joystick al detectar y reconocer gestos y posturas) con el agregado de más juegos compatibles (algo que estaba faltando): Call of Duty Modern Warfare 3, Kinect Sports 2, Star Wars, Mass Effect 3, FIFA 12, Ghost Recon: Future Solider, Forza Motorsport 4 y ¡el regreso de Tomb Raider! Lara Croft, la chica con la que todo nerd se ha masturbado alguna vez, renace con una historia de supervivencia bastante oscura y creepy. El demo que se puede ver me recuerda mucho a la película El descenso.

4. Zelda y Halo cumplen años
A diferencia de lo que muchos piensan, el gamer promedio no es un niño ni un adolescente: más bien es un boludo de 30 años. Por eso no es de extrañar que las franquicias más exitosas sean la de juegos “clásicos” como Mario, Metroid y The Legend of Zelda, que acaba de cumplir 25 años y Nintendo lo celebra a pura orquesta con el lanzamiento de dos bandas de sonidos en CD y cuatro juegos: Link's Awakening (para 3DS), Four Swords (para descargar gratis vía DSi Ware), Ocarina of Time 3D, que saldrá a la venta en los próximos días, y Skyward Sword (para Wii).
El otro cumpleañero es más jovencito: Halo, título al que Microsoft debería rezarle todos los días porque hizo que muchos se compraran una Xbox solo para poder jugarlo, y que llegó a los diez añitos. Hay festejo con doblete: lanzamiento de una remake con gráficos HD y nuevas funcionalidades de Combat Evolved (la primera entrega, disponible a partir de noviembre) y el esperado Halo 4, para fines de 2012 (miren el trailer de lo que se viene).

5. ¡Saaaangreeee!
Como buen simpatizante de la violencia en los videojuegos, no puedo más que alegrarme de la cantidad de títulos para reventar gente, bichos y diversos objetos inflamables: Gears of War 3, Battlefield 3, Call of Duty: Modern Warfare 3, Brothers in Arms Furious 4, Assassin's Creed: Revelations, Mass Effect 3, Far Cry 3, Dark Souls, Uncharted 3. ¿Algo más? Ah, sí, mis dos favoritos:
Batman: Arkham City

BioShock Infinite

Bonus

6. ¡Chupala, Guitar Hero!
Ya comentamos que Guitar Hero es una franquicia en vías de extinción (y Rock Band no parece tener mucho futuro tampoco). Pero los fanáticos de los music-games estarán más que entusiasmados con la llegada de Rocksmith, de Ubisoft, que permite conectar una guitarra de verdad a la consola y tocar con mayor realismo temas de Rolling Stone, The Black Eyed Peas, The White Stripes y otros. Podés enchufar tu propio instrumento a la consola mediante un cable USB o bien comprar el juego en bundle con la edición especial de una Epiphone Les Paul Junior, por US$ 200, en Estados Unidos. Suena mucho mejor que andar apretando botoncitos en un juguete con forma de viola, ¿no?

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Entrevista a Tim Hoey, de Cut Copy

2011-06-03T18:15:00.000-07:00

El cuarteto australiano trae su dance rock a Buenos Aires, pero antes su guitarrista nos cuenta de dónde salió tanto tecno en las tierras de AC/DC.

Cut Copy en Estados Unidos.

Canguros, ornitorrincos, koalas, Mel Gibson. Australia ha criado cosas extrañas pero, ¿bandas tecno? Mmhhh... Lo cierto es que, en los últimos años, la reina de Oceanía es también madre de lo mejor que está dando el pop electrónico con guitarras. ¿Ejemplos? Empire of the Sun, Midnight Juggernauts, The Presets, Miami Horror y Cut Copy, quizás el principal exponente de esta nueva generación electro-aussie, gracias a la muy buena recepción que tuvo en el mundo su segundo álbum, In Ghost Colours (2008).

El próximo 8 de junio, el (ahora) cuarteto llegará a Buenos Aires para presentar su tercer y último trabajo, Zonoscope, una colección de canciones para escuchar con los pies mientras tu cabeza recorre un déjà vu tan largo como esa década que abarca desde el pop romanticón de OMD y la desencantada seducción de New Order hasta los coqueteos afro de Paul Simon. Pero antes, el guitarrista Tim Hoey explica de dónde corno salieron tantos nerds con tecladitos en las duras tierras de AC/DC.

La mayoría de las personas suele asociar a Australia con estilos musicales muy diferentes al de esta escena tecno y dance-rock que emergió desde el país recientemente. ¿Qué pasó?
Cuando nosotros pensamos en música australiana, pensamos en The Birthday Party, The Go-Betweens, Severed Heads, The Avalanches, Dirty Three, The Saints, Gerling, The Sleepy Jackson, Rowland S. Howard. Hay una rica historia en todos los géneros, con artistas que fueron considerados innovadores y de avanzada en todo el mundo (y no reconocida completamente en tierra natal). En Australia, siempre hubo una escena de boliches y música dance, pero estuvo más o menos relegada a un segundo lugar hasta hace unos años, cuando penetró en la conciencia de un público comercial más amplio. No estoy seguro del porqué y creo que todo tiende a moverse en ciclos. En cuanto a Cut Copy, siempre tuvimos la intención de llevar nuestra música al exterior, pensábamos que íbamos a tener una reacción más fuerte en Europa y en Estados Unidos porque el clima de la música australiana, en ese momento, parecía más inclinada al rock (The Vines, Wolfmother y JET estaban despegando por ese entonces). Pero, mientras estábamos de gira por el exterior, la música electrónica comenzó a dominar los charts. Fue algo raro, aunque maravilloso, volver a casa y ver eso.

¿Qué otra banda australiana aún desconocida va a estallar pronto?
World's End Press.

¿Sintieron la presión de tener que revalidar el éxito de In Ghost Colours a la hora de grabar Zonoscope?
No particularmente. Todos miden el éxito de manera distinta. Para nosotros, se trata de alcanzar metas artísticas. Nos proponemos lograr algo creativamente en cada disco y es de ahí de donde viene la presión, no de lo que van a opinar los demás. Siempre decimos que, si sos honesto con lo que hacés, vas a encontrar un público. En general, esperamos que la gente disfrute el paseo con nosotros y que encuentre en cada disco algo nuevo y diferente. Ya hicimos un In Ghost Colours y un Bright Like Neon, así que no necesitamos hacer esos discos otra vez. Nunca hay que repetirse.

Los tríos suelen tener una dinámica especial. ¿Cómo cambió el trabajo al sumar a Ben Browning?
Su ingreso se sintió muy natural y orgánico. Hizo la mayor parte de la gira del disco anterior y ya era amigo nuestro de antes. Además, es el único en la banda que sabe tocar instrumentos bien y que conoce los nombres de los acordes. Está bueno tener un poco de profesionalismo.

En un mercado donde solo parecen importar las canciones de tres minutos Uds. se despachan con un álbum que incluye una oda "disco" de 15 minutos como "Sun God". ¿Un gesto de rebeldía en estos tiempos tan veloces?
Tenés razón, casi parece un suicidio profesional lanzar una canción de 15 minutos en esta generación iTunes. Pero supongo que un disco tiene que ver con estar completamente sumergidos en la experiencia de la escucha y sentirse transportados a otro lugar. "Sun God" captura eso. Cuando pensamos en hacer un álbum, pensamos en que se lo escuche de principio a fin, en el cual ninguna canción es más importante que la otra. Es por eso que unimos la mayoría de los temas en cada álbum.

Tengo entendido que son de comprar mucha música y que cuando están de gira tratan de "escaparse" a alguna tienda a conseguir discos nuevos o usados. ¿Qué obtuvieron y escucharon últimamente?
En nuestra última gira, literalmente, compramos una valija extra cada uno llena de discos. Encontré grabaciones originales de discos de kraut rock y de Gil Scott-Heron, pero eso es solo la punta del iceberg. Ni siquiera tuve tiempo de desempacarlos porque estamos girando mucho.

Hablando de comprar discos: En una entrevista dijiste que nunca vieron un centavo por la música que vendieron y que no creen haber recuperado el dinero invertido en publicar los álbumes. ¿Cuál es su opinión sobre el negocio musical en estos tiempos donde Internet y la práctica de bajar y compartir música es tan criticada por muchos sectores de la industria?
Bueno, es un arma de doble filo. A través de Internet, nuestro perfil creció mucho y nos llevó a lugares del mundo a los que nunca creí que iba a viajar, ni hablar de tocar. No podemos ser demasiado críticos, porque sería morder la mano que te da de comer. Además, yo también bajé discos, así que sería como ver la paja en el ojo ajeno, ¿no? Es difícil ver cómo vas a lograr que alguien pague por algo que puede obtener gratis. Pero no creo que se pueda capturar la sensación táctil de comprar y tener un disco con la descarga digital. Me encanta el ritual de salir a buscar un álbum, llevarlo a casa, ponerlo en un equipo y estudiar el arte. Me parece que valoro la música más. Si compro o descargo algo en formato digital, me da la sensación de que se pierde en el abismo de iTunes: lo escucho de manera diferente o ni siquiera lo oigo.

Rechazaron una oferta de Lady Gaga para acompañarla en su gira. Decime la verdad: ¿no hay momentos en los que te preguntas qué hubiera pasado si iban?
Bueno, no estaríamos yendo a la Argentina a hacer nuestro propio show si hubiéramos estado de gira con ella, así que no nos quita demasiado el sueño.

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Columna en "No Somos Nadie" (Rock & Pop) sobre el e-G8 Forum

2011-05-25T07:52:00.001-07:00

Mi columna tecnológica de todos los miércoles en "No Somos Nadie" (FM Rock & Pop 95.9), en esta oportunidad sobre la polémica cumbre e-G8, foro que reunió a jefes de Estado con la élite empresaria de Internet, y de cómo los temas claves del futuro de ese bien público que es la web se debate entre los pocos de siempre.

Las mejores y peores películas de Johnny Depp

2011-05-20T06:59:00.000-07:00

Recordamos altas y bajas en la carrera del actor cuando se estrena la cuarta entrega de Piratas del Caribe, que lo tiene otra vez como estrella en la piel del encantador Jack Sparrow.

Las mejores

1. Ed Wood (1994)
La biopic sobre el símbolo del cine bizarro, alguna vez galardonado como el "peor director de la historia" es, lejos, la mejor película de Depp y, quizás, lo más destacado que ha dado su sociedad artística con Tim Burton. Con un destino que pareció sellado por el espíritu del retratado, la cinta fue un fracaso comercial, pero se transformó en una obra de culto con los años. Y le valió un merecidísimo Oscar como Mejor Actor de Reparto al enorme Martin Landau, gracias a su caracterización de Béla Lugosi.

2. Descubriendo el país de Nunca Jamás (2004)
La obra que tiene su mejor interpretación dramática a la fecha. Acá no hay personajes exagerados ni maquillaje donde ocultarse, solo darle profundidad y credibilidad a la historia del escritor que, a partir de un amor platónico y la relación con un niño, creó a Peter Pan. Tuvo siete nominaciones al Oscar, incluida la de Depp a Mejor Actor, y Mejor Película (tuvo que competir contra tanques como Ray, El Aviador, Entre Copas y Million Dollar Baby, que se quedó con la estatuilla).

3. Piratas del caribe: La maldición del Perla Negra (2003)
Depp se despoja por un rato de su perfil indie y se mete en el universo Disney para revitalizar un género olvidado y convertirlo en una de las franquicias más lucrativas de la historia del cine (la segunda y tercera parte rankean cuarta y novena, respectivamente, entre las películas que más recaudaron en el mundo). ¿Acaso otra persona puede lograr que un pirata tenga el glamour de un rockstar? Bueno, solo Keith Richards: ni más ni menos que el papá de Jack Sparrow (y de todos los piratas). De tal palo…

4. El joven manos de tijera (1990)
Este Pinocho gótico fue el papel que lo catapultó como una joven promesa del séptimo arte en el marco de una película entrañable, que sería el primer resultado de una larga y fructífera carrera junto a Tim Burton. Mientras una estrella nacía, otra se apagaba: sería la última vez que veríamos a la leyenda Vincent Price en la pantalla.

5. Dead Man (1995)
Es el film más extraño y “rollingstonero” de Depp junto a Pánico y locura en Las Vegas. Esta bella cinta de Jim Jarmusch, filmada en un polvoriento blanco y negro, relata la transformación de un civilizado contador a un bárbaro asesino en los tiempos del lejano Oeste, un “descenso a los infiernos” donde la cruda realidad se confunde con poesía escrita con sangre, y en la que interviene un inusual elenco de estrellas: John Hurt, Alfred Molina, Gabriel Byrne, Lance Henriksen, Iggy Pop, el ícono cowboy Robert Mitchum (en su último rol cinematográfico) y, por si fuera poco, la música de Neil Young. ¿El primer y único acid-rock western de la historia?

Las peores

1. El Turista (2010)
Ni un Albert Broccoli devenido en agente de turismo hubiera sido capaz de imaginar este thriller romántico con ínfulas de comedia, intriga internacional y encanto de spy-movie, que deviene en un artificioso tour por Venecia con escalas en la belleza (¿natural?) de Angelina Jolie. ¿El guión? ¿La química en pantalla? ¿La gracia? Creo que las tiene James Bond, que quedó varado en Ezeiza.

2. La cara oculta (1999)
Todos los actores tienen esa película que uno no entiende por qué la hizo y se imagina que las razones tuvieron que ver con afrontar abultadas deudas de patentes o expensas. Bueno, Depp debía estar con las cuentas en rojo para agarrar este thriller de ciencia ficción sobre un astronauta que regresa a nuestro planeta “poseído” por una entidad extraterrestre que, en lugar de dominar el mundo, se dedica a maltratar a su esposa (Charlize Theron). ¡Alien machista y golpeador!

3. La ventana secreta (2004)
Otra de las muchas flojitas adaptaciones de novelas de Stephen King (y podemos hacer una nota muuuuy larga al respecto), con un Depp que entrega una actuación intrascendente como un escritor afectado psicológicamente por la infidelidad de su esposa y por un “bloqueo” de autor. Además de la banda de sonido de Philip Glass, lo poco rescatable del film es el papel de John Turturro como esa ¿mitad siniestra? que acecha al protagonista acusándolo de plagio.

4. El Libertino (2004)
Me encantaría poder escribir un comentario sobre este drama de época, pero ya pasaron siete años de su estreno y creo que yo todavía sigo durmiendo en el cine. Por favor, que alguien me vaya a despertar al Atlas Lavalle.

5. La última puerta (1999)
El reencuentro de Roman Polanski con lo demoníaco tres décadas después de El bebé de Rosemary no fue de terror, pero tampoco todo lo que se esperaba. Lo mismo sucedió con la performance de Depp en la piel de un librero en busca de una misteriosa obra escrita por el mismísimo Satán, con una caracterización que, por momentos, me recuerda a Federico Andahazi (y eso es lo que más atemoriza).

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Bebe va de 10 - Estrenos de cine, Woody Allen y demás

2011-05-15T11:05:00.000-07:00

En "Bebe va de 10", por FM ESPN 107.9, comentamos "Que la cosa funcione", película de Woody Allen, entre otros estrenos. Con Bebe Contepomi y Martín Urruty.

Bebe va de 10 - Sitios web sobre Bob Marley

2011-05-15T10:51:00.001-07:00

En "Bebe va de 10", por FM ESPN 107.9, destacamos algunos sitios de Internet para conocer más sobre la vida y obra de Bob Marley, a 30 años de su fallecimiento. Con Bebe Contepomi y Martín Urruty.

Dando la vuelta - Bin Laden Twitter

2011-05-06T07:14:00.001-07:00

Audio de la charla en el programa de FM ESPN "Dando la Vuelta", con Germán Paoloski, Mechi Margalot y Sebastián Almada y Mariano Zabaleta, sobre el papel de Internet y Twitter en el operativo militar que dio muerte a Bin Laden. 05/05/2011